En 2017, Hulu a marqué l’histoire de la télévision en devenant le premier réseau de streaming à remporter l’Emmy Award de la meilleure série dramatique, grâce au phénomène qu’était The Handmaid’s Tale.
Bien que Netflix ait largement conquis le marché du streaming sur les films originaux—et ait même réussi à persuader des étoiles comme Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón, et Martin Scorsese de participer—Hulu commence à trouver son chemin dans les longs métrages également. Voici quelques-uns de nos meilleurs choix pour les meilleurs films (originaux et autres) disponibles en streaming sur Hulu en ce moment.
Vous êtes toujours à la recherche de plus de titres géniaux à ajouter à votre liste ? Consultez les guides de WIRED pour les meilleures émissions de télévision sur Hulu, les meilleurs films sur Netflix, les meilleurs films sur Disney+, et les meilleurs films sur Amazon Prime. Vous n’aimez pas nos choix ou souhaitez proposer vos propres suggestions ? Rendez-vous dans les commentaires ci-dessous.
Gladiator
Près d’un quart de siècle avant que Paul Mescal ne venge la mort de sa famille dans Gladiator II, Russell Crowe était celui qui brandissait des épées pour venger ses propres proches dans l’épopée oscarisée de Ridley Scott. Maximus Decimus Meridius (Crowe) est un général acclamé que l’empereur Marc Aurèle (Richard Harris) cherche personnellement à nommer régent pour aider à restaurer la République romaine à sa gloire d’antan. C’est une demande qui ne plaît pas à Commode (Joaquin Phoenix), le fils et héritier présumé de l’empereur. Il fait donc ce que ferait un gamin gâté : il tue son père, fait tuer la femme et l’enfant de Maximus, et tente d’asservir son ennemi. Mais Commode n’avait pas prévu les longueurs auxquelles Maximus irait pour obtenir sa revanche.
Thelma
June Squibb est l’héroïne d’action dont vous ne saviez pas que vous aviez besoin. Dans la décennie qui a suivi son rôle nommé aux Oscars dans le film d’Alexander Payne Nebraska, cette actrice de 95 ans est devenue l’une des actrices les plus demandées à Hollywood. Ici, elle joue la grand-mère éponyme qui se fait escroquer de 10 000 dollars par un escroc par téléphone visant les citoyens âgés. Lorsque les autorités semblent réticentes à prendre des mesures concrètes, Thelma prend une arme et son scooter motorisé et prend la loi entre ses mains. Le meilleur dans tout ça ? Cette comédie vigilante est basée sur la propre grand-mère de l’écrivain-réalisateur Josh Margolin.
Ad Astra
À une date non précisée dans un futur proche, le major de la US Space Command Roy McBride (Brad Pitt) apprend que des surcharges mystérieuses d’énergie provenant d’une ancienne station spatiale menacent la Terre. Lorsqu’il découvre que l’activité peut être retracée jusqu’au projet Lima—une recherche de vie extraterrestre dirigée par son père, H. Clifford McBride (Tommy Lee Jones), qui est perdu dans l’espace depuis 30 ans—Roy se lance dans l’inconnu. Lorsque le scénariste-réalisateur James Gray a annoncé le projet, il a très audacieusement déclaré qu’il espérait créer “la représentation la plus réaliste des voyages dans l’espace jamais mise au cinéma.” A-t-il réussi ? Regardez et faites votre propre évaluation.
La La Land
La La Land est la comédie musicale qui a célèbrement gagné, puis perdu, l’Oscar du meilleur film lors de la 89e cérémonie des Oscars. (Le prix était destiné à Moonlight, et l’erreur a été rapidement—et de manière mémorable—corrigée au milieu des discours de remerciements.) Rien de tout cela n’enlève aux six Oscars que le film did gagner, dont meilleur réalisateur pour Damien Chazelle et meilleure actrice dans un rôle secondaire pour Emma Stone. Ni cela ne diminue le spectacle éblouissant du film, rempli de couleurs vives, de musique entraînante et de séquences de danse rêveuses, alors qu’une actrice aspirante (Stone) et un musicien de jazz à l’ancienne (Ryan Gosling) se rencontrent et tombent amoureux, puis tentent de surmonter les défis de toute relation romantique.
Late Night With the Devil
Dans les années 1970, Jack Delroy (David Dastmalchian) est un animateur de talk-show nocturne qui court constamment après les cotes d’écoute de Johnny Carson mais ne peut tout simplement pas rivaliser. Il atteint les cotes d’écoute les plus élevées de sa carrière lorsqu’il s’assoit pour une interview avec sa femme bien-aimée, Madeleine (Georgina Haig), qui souffre d’un cancer. Lorsqu’elle décède peu après, Jack interrompt complètement la production de son émission. Quand il est finalement prêt à revenir au travail, il est encore plus déterminé à rivaliser avec Carson, alors il décide de réaliser une émission d’Halloween sur le thème du culte, avec un voyant (Fayssal Bazzi), un parapsychologue (Laura Gordon), et une adolescente possédée (Ingrid Torelli) qui semble en savoir plus sur la relation entre Jack et Madeleine qu’il ne l’avait imaginé. De nombreux critiques ont considéré Late Night With the Devil comme le meilleur film d’horreur de l’année—et à juste titre.
Babes
Le premier film de Pamela Adlon fait pour la maternité ce que Bridesmaids a fait pour le mariage. Les New-Yorkaises Eden (Ilana Glazer) et Dawn (Michelle Buteau) sont des amies d’enfance avec des décennies d’histoire et de traditions, mais se retrouvent maintenant confrontées à des chapitres très différents de leur vie. Dawn, qui lutte contre une dépression post-partum, essaie de jongler entre les exigences d’être une mère qui travaille et partenaire de son mari, tandis qu’Eden n’a jamais été accablée par de telles exigences. Mais lorsqu’elle découvre qu’elle est enceinte après une aventure d’un soir et décide qu’elle est prête à être mère célibataire, leur amitié commence à se fracturer de manière qu’elles n’auraient jamais imaginée. La chimie de Glazer et Buteau en tant que BFFs est indéniable dans cette comédie audacieuse qui n’est pas toujours jolie, en partie à cause de son honnêteté brutale.
The First Omen
Fidèle à son titre, le sixième film de la franchise The Omen est une préquelle au classique d’horreur de 1976 qui l’a engendré. Si vous n’étiez pas au courant qu’il y avait une demi-douzaine de films dans cette série, il y a une raison à cela : à part l’original réalisé par Richard Donner, ils ne sont tout simplement pas très bons. Mais presque 50 ans plus tard, The First Omen a donné une nouvelle vie à ce concept apparemment fatigué. Nous sommes en 1971, et Margaret (Nell Tiger Free), une jeune noviciate américaine, voyage à Rome pour travailler dans un orphelinat. Elle noue rapidement des liens avec Carlita (Nicole Sorace), l’une des anciennes pupilles, qui est tourmentée par des visions terribles. Malgré les avertissements du prêtre en chef (Ralph Ineson) selon lesquels des “choses maléfiques” se produiront si elle s’engage avec Carlita, Margaret est convaincue qu’elle peut aider la jeune fille. Si vous savez quoi que ce soit sur les films The Omen, vous savez probablement où cela mène : des enfants sataniques portant la marque du diable (666) abondent. Bien qu’il soit quelque peu prévisible, le film est bien joué et bien réalisé—and pourrait très bien donner lieu à d’autres suites.
Kinds of Kindness
Juste trois mois après que Poor Things ait remporté quatre Oscars, Yorgos Lanthimos a réuni une grande partie de l’équipe—y compris Emma Stone, Willem Dafoe, et Margaret Qualley—pour Kinds of Kindness, qui a fait ses débuts à Cannes. Contrairement à ses œuvres précédentes, celui-ci est un film d’anthologie, ou ce qui a fini par être commercialisé comme une “fable triptyque”. Tout comme les autres films de l’écrivain-réalisateur, il nait d’un lieu de comédie absurde et de performances exagérées de ses stars. Cultes sexuels, réanimation, sandwiches, patrons heureux de tuer, et la raquette de tennis cassée de John McEnroe font tous partie des festivités follement amusantes.
Little Women
Greta Gerwig est loin (loin) d’être la première écrivaine-réalisatrice à adapter Little Women de Louisa May Alcott pour le grand écran. Et elle n’est certainement pas la première personne à le faire de manière admirable. (La version de 1994 réalisée par Gillian Armstrong avec Winona Ryder et Christian Bale est toujours une interprétation très appréciée.) Pourtant, Gerwig a su rendre le conte du 19ème siècle pratiquement moderne, et différent de tous les autres, grâce à des décisions apparemment mineures, comme jouer avec les chronologies du roman. Cela n’empêche pas non plus qu’il se trouve être interprété par certains des acteurs les plus impressionnants travaillant aujourd’hui, y compris Saoirse Ronan, Timothée Chalamet, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, James Norton, Laura Dern, Chris Cooper, Tracy Letts, Meryl Streep, et Bob Odenkirk.
Immaculate
Sydney Sweeney a produit ce film d’horreur religieux et joue également le rôle de Cecilia, une jeune nonne (oui, vous avez bien lu) dont la rencontre traumatique avec la mort l’a convaincue que Dieu l’a sauvée pour un but plus élevé. Lorsqu’elle est invitée à rejoindre un couvent dans la campagne italienne éloignée qui assiste les vieilles nonnes à la fin de leur vie, elle accepte avec joie—puis réalise rapidement que tout n’est peut-être pas ce qu’il semble.
Ferrari
Enzo Ferrari (Adam Driver) est un homme qui devrait tout avoir : l’ancien pilote de course et fondateur de l’entreprise automobile Ferrari déborde de charme, de richesse, et d’excitation. Mais en coulisses, les murs se resserrent autour de lui. Situé durant l’été 1957, le biopic de Michael Mann trouve Ferrari (l’homme) au bord de la faillite, en deuil de la mort de son fils, et essayant désespérément de cacher ses anciennes indiscrétions à sa femme éloignée—qui a aidé à construire l’entreprise automobile et qui détient la clé de son avenir financier. Bien que le film ait reçu des critiques mitigées, il réussit à raconter l’histoire complexe d’un homme compliqué. Mais son principal atout est la performance saisissante de Penélope Cruz.
Perfect Days
Près de 60 ans dans sa carrière de cinéaste, Wim Wenders a réussi à faire l’un de ses meilleurs films avec Perfect Days—ce qui en dit long quand on considère que ce réalisateur a réalisé Paris, Texas (1984) et Wings of Desire (1987). Hirayama (Kōji Yakusho) est un nettoyeur de toilettes à Tokyo qui est profondément satisfait de la simplicité de sa vie, car cela lui permet de s’adonner à ses passions plus personnelles : la musique (il est un collectionneur assidu de cassettes audio et aime laisser sa musique préférée définir la bande-son de sa vie), les livres et la nature. Le film n’est pas ponctué par des intrigues trop dramatiques ; juste par les interactions silencieuses que Hirayama a avec ceux qui l’entourent—famille, collègues, inconnus—et la manière dont ces intermèdes l’impactent. C’est cette simplicité poétique, et la merveilleuse performance de Yakusho, qui donne au film son âme.
Origin
L’écrivaine-réalisatrice Ava DuVernay trouve encore une fois un moyen de changer le langage du cinéma avec ce qui est à la fois un biopic et un document historique. Le film est basé sur la vie d’Isabel Wilkerson (Aunjanue Ellis-Taylor), la première femme noire à remporter le Prix Pulitzer en journalisme pour son travail au New York Times. Il suit le parcours de Wilkerson pour écrire son livre de 2020 Caste: The Origins of Our Discontents—un projet qui l’a conduite des États-Unis à l’Allemagne puis en Inde pour rechercher l’histoire troublante des systèmes de castes de chaque pays et les parallèles qui existent entre eux.
Fight Club
Un bureaucrate de bureau (Edward Norton) avec un amour pour le shopping de catalogues et les groupes d’entraide rencontre un fabricant de savon rebelle (Brad Pitt) lors d’un vol. Il ne semble pas pouvoir se défaire de lui. Mais il ne semble pas vraiment vouloir, surtout quand ils réalisent que se frapper violemment est un excellent moyen de soulager le stress de la vie quotidienne. Bientôt, ils ont assemblé une armée de membres de Fight Club prêts à défier le monde. Cela fait 25 ans depuis que l’adaptation de David Fincher du roman à succès de Chuck Palahniuk a bouleversé une génération de spectateurs, et bien que le film ait été un peu un échec à sa sortie en salles, il a depuis gagné un énorme culte d’admirateurs—et a même donné naissance à de véritables clubs de combat.
The Contestant
Le 11 janvier 1998, le comédien de 22 ans Tomoaki Hamatsu est entré dans un appartement au Japon où il a vécu, nu et sans contact humain, pendant 15 mois dans le cadre d’un jeu télévisé compréhensiblement controversé intitulé Susunu! Denpa Shōnen. Hamatsu n’avait aucune idée que sa vie était diffusée. Ce documentaire captivant explore non seulement comment quelqu’un a pu permettre que cette expérience se réalise, mais aussi les effets réels—culturels, psychologiques, et au-delà—qu’elle a eue sur Hamatsu et les dizaines de millions de téléspectateurs qui ont été d’une manière ou d’une autre attirés par son abus à l’écran.
Anatomy of a Fall
Entre ses rôles principaux dans The Zone of Interest et Anatomy of a Fall, l’actrice allemande Sandra Hüller a clairement démontré que, lorsqu’il s’agit de scénarios, elle sait comment les choisir. Dans ce drame judiciaire captivant, Hüller joue une auteure à succès devenue suspecte de meurtre lorsque son mari (Samuel Theis) est trouvé mort devant leur maison par un jour de neige. Finalement, ce pourrait être son fils (Milo Machado-Graner) et/ou son chien guide (Messi, la vraie star du film) qui scelleraient le destin de Sandra. C’est un mystère intelligent, anguleux, et bien joué qui vous tiendra en haleine.
Poor Things
Bella Baxter (Emma Stone) est une jeune femme avec le cerveau d’un nourrisson qui est ramenée à la vie par le scientifique excentrique Dr. Godwin Baxter, alias Dieu (Willem Dafoe). Mais Bella apprend vite et est intriguée par les nombreuses aventures que le monde a à lui offrir—sans se soucier de ce que la société polie dicte. Mark Ruffalo, Ramy Youssef, et Christopher Abbott figurent parmi les hommes qui sont envoûtés par la franchise de Bella (“Je dois aller frapper ce bébé”) dans ce qui est sans aucun doute le titre le plus extravagant de la filmographie de Yorgos Lanthimos—ce qui est beaucoup dire. Une mise en garde : ceux qui sont facilement offensés par la nudité ou le sexe graphique voudront peut-être passer leur chemin.
BlackBerry
It’s Always Sunny in Philadelphia’s Glenn Howerton est pratiquement méconnaissable dans ce récit immensément divertissant de la montée et de la chute de BlackBerry—le téléphone portable incontournable qui a captivé le monde avant l’arrivée de l’iPhone. Howerton partage l’affiche avec Jim Balsillie, le négociant très réel qui, aux côtés de Mike Lazaridis (Jay Baruchel), a donné au monde son premier smartphone. Ce qui est beaucoup plus dramatique (et sombrément humoristique) que cela en a l’air.
The Royal Hotel
Ozark star Julia Garner retrouve la réalisatrice Kitty Green (The Assistant) pour ce thriller psychologique tendu dans lequel les meilleures amis Hanna (Garner) et Liv (Jessica Henwick) décident de faire du trekking à travers l’arrière-pays australien. Lorsqu’on leur offre la chance de vivre et de travailler dans un hôtel éloigné pour reconstituer leurs comptes bancaires en déclin, elles saisissent l’occasion—malgré le sentiment de Hanna que quelque chose ne va pas avec leur lieu de travail ou sa clientèle. Elle a raison de se méfier. Garner a incarné un personnage badass après l’autre, et The Royal Hotel ne fait pas exception.
All of Us Strangers
Adam (l’incontournable Andrew Scott) est un scénariste de télévision qui se tient en grande partie à l’écart, jusqu’à ce qu’une rencontre maladroite avec son voisin éméché Harry (Paul Mescal) déclenche une nouvelle relation passionnée. Mais lorsqu’il n’est pas à Londres avec Harry, Adam retourne dans la maison suburbane où il a grandi—et où il rencontre et peut interagir avec ses parents (Claire Foy et Jamie Bell), malgré le fait qu’ils soient morts depuis 30 ans. Entre les mains d’un réalisateur moins talentueux, les éléments fantastiques pourraient sembler forcés. Mais avec Andrew Haigh (Weekend, 45 Years) derrière la caméra, le cadre surréaliste n’augmente que l’émotion.
The Creator
Le réalisateur Gareth Edwards (Rogue One) imagine un avenir pas si lointain dans lequel la race humaine est en guerre avec l’IA—ce qui semble trop familier pour certains. John David Washington (Tenet, fils de Denzel) est le meilleur espoir du monde pour mettre fin à cette bataille une bonne fois pour toutes lorsqu’il se voit confier la tâche de traquer le Créateur éponyme, l’architecte derrière la technologie qui a engendré cette upheaval mondiale. Bien qu’il y ait quelques trous de scénario indéniables, les pièces maîtresses stellaires du film nominées aux Oscars et le talent d’acteurs de premier ordre en font un film à voir absolument pour les fans de science-fiction.
Self Reliance
New Girl’s Jake Johnson fait ses débuts de réalisateur avec cette comédie méta merveilleusement bizarre et occasionnellement sombre, qu’il a également écrite et dans laquelle il joue. Tommy Walcott (Johnson) vit une existence assez ordinaire jusqu’à ce qu’il soit approché par Andy Samberg (dans le rôle d’Andy Samberg), qui lui offre l’opportunité de sa vie : celle de gagner 1 million de dollars dans le cadre d’une immense compétition de téléréalité. La seule chose que Tommy doit faire est de ne pas se faire tuer pendant 30 jours, malgré le fait d’être pourchassé par des dizaines de tueurs à gages dont le travail consiste à s’assurer qu’aucun participant ne s’en sorte avec le gros lot. Le hic ? Les participants ne peuvent être tués que lorsqu’ils sont totalement seuls. Tommy décide donc de s’associer à un autre participant, ce qui donne lieu à Maddy (Anna Kendrick). Comme ils ont à la fois un million de dollars à gagner et beaucoup à perdre (soit leur vie) s’ils ne triomphent pas, ils font un pacte pour passer chaque moment éveillé des 30 jours suivants ensemble. Juste au moment où vous pensez savoir où Self Reliance va, il vous surprend—and dans les meilleures manières possibles.
No One Will Save You
Les thrillers d’invasion de domicile ne manquent jamais, mais ceux qui sont vraiment efficaces se font rares. Kaitlyn Dever brille—et prouve encore une fois qu’elle peut porter le poids d’un film entier—dans le rôle de Brynn Adams, une couturière vivant une existence solitaire dans sa maison d’enfance et faisant le deuil de la perte de sa mère et de son amie la plus proche. Lorsqu’elle se réveille une nuit pour découvrir que quelqu’un est dans sa maison, cette personne s’avère être quelque chose. Un thriller d’invasion de domicile avec des extraterrestres n’était peut-être pas sur votre carte Bingo à regarder, mais No One Will Save You est 93 minutes bien dépensées.
Miguel Wants to Fight
Miguel (Tyler Dean Flores) a 17 ans et n’a jamais été dans une bagarre. Donc, lorsqu’il apprend qu’il va déménager d’un endroit et de personnes qu’il a connus toute sa vie, il demande à ses amis de l’aider à entrer dans son premier combat de poings. Ce n’est probablement pas le premier rituel de passage qui vient à l’esprit, mais c’est certainement parmi eux. Un casting talentueux de jeunes acteurs rend cette comédie—coécrite par Shea Serrano et Jason Concepcion—immensément regardable.
Sanctuary
Hal Porterfield (Christopher Abbott) vient de recevoir les clés du château suite à la mort de son père magnat de l’hôtellerie. Rebecca Marin (Margaret Qualley) est une dominatrice qui croit qu’elle mérite une partie des crédits—et la moitié des bénéfices—qui accompagnent la nouvelle position de PDG de Hal. La politique sexuelle a rarement été aussi tordue, ou sombrement hilarante, que dans ce thriller envoûtant, et souvent claustrophobe, de Zachary Wigon.
Corsage
Vicky Krieps livre encore une fois une performance de premier ordre en tant qu’impératrice Élisabeth d’Autriche, qui—après son 40e anniversaire—aspire à retrouver la liberté de sa jeunesse. Marie Kreutzer écrit et réalise ce biopic fictif (l’impératrice Élisabeth est réelle, bien que l’histoire racontée prenne beaucoup de libertés créatives), qui voit la royale se rebeller contre son manque de pouvoir pour apporter un véritable changement, malgré son titre. Encore plus, il s’agit d’une femme désespérée à l’idée de conserver le pouvoir que la jeunesse et la beauté lui donnent—sans se soucier des conséquences.
How to Blow Up a Pipeline
L’écologie rencontre le film de braquage dans ce thriller du réalisateur Daniel Goldhaber sur un groupe de jeunes qui essaient de—comme le titre l’indique—exposer la fragilité de l’industrie pétrolière. Il est rare qu’un film examinant la lutte contre la crise climatique soit également une aventure palpitante, mais ici ces éléments se rejoignent magnifiquement. (Vous pouvez donner un peu de crédit au directeur de la photographie Tehillah de Castro pour cela.) Intelligent, prémonitoire, et presque sans précédent, How to Blow Up a Pipeline mérite amplement d’être regardé.
Alien
Alien a été initialement sorti en 1979, mais il n’a pas perdu de sa puissance au fil des ans—ce qui n’est pas quelque chose que la plupart des quadragénaires peuvent dire. À présent, vous connaissez probablement l’histoire : L’équipage du vaisseau spatial Nostromo, comprenant l’officier de sécurité Ellen Ripley (Sigourney Weaver), fait une pause apparemment légère dans leur voyage de retour sur Terre pour répondre à un appel de détresse provenant d’une planétoïde voisine. Mais ce qu’ils découvrent est une bizarre forme de vie extraterrestre qui semble ravie d’éliminer des membres d’équipage de manières nouvelles—et fréquemment terrifiantes. Pouvez-vous dire Facehugger ? Ou Chestburster ? Alien est également notable pour être le film qui a lancé une véritable, et légendaire, franchise de science-fiction/horreur—et a aidé à introduire au monde Ridley Scott, qui a encore changé la donne du genre avec son prochain film, Blade Runner.
Rye Lane
Raine Allen-Miller a fait sensation à Sundance en 2023 avec son premier film, qui offre une touche ludique sur la typique comédie romantique. Yas (Vivian Oparah) et Dom (David Jonsson) sont tous deux dans la vingtaine et se remettent d’une rupture récente. Après une première rencontre fortuite—et plutôt maladroite—le duo passe une journée à errer dans le sud de Londres, se liant sur leur expérience commune, trouvant des façons malicieuses de surmonter le deuil de leurs précédentes relations, et découvrant peut-être que le romantisme n’est pas mort après tout.
Triangle of Sadness
Pensez-y comme à Gilligan’s Island, mais avec plus de commentaires de classe et de vomi. Lorsque des gens riches prennent la mer sur un yacht de luxe, leurs projets sont contrecarrés par une terrible tempête qui laisse nombreux d’entre eux coincés sur une plage où ni leur argent ni leur pouvoir ne peuvent les aider à survivre. Cela révèle déjà trop, mais disons simplement que si vous aimez les critiques à la The Menu sur les excès de la richesse, avec autant de rebondissements comiques sombres, ce film Oscar-nominé est fait pour vous.
Portrait of a Lady on Fire
OK, donc cela pourrait être le film qui a transformé l’idée de “drame historique lesbien” en un trope, mais c’est aussi l’un des meilleurs films modernes de romance queer, aux côtés de Moonlight et Carol. Situé sur une côte isolée de France à la fin des années 1700, le film de l’écrivain-réalisateur Céline Sciamma se concentre sur une jeune aristocrate, Héloïse (Adèle Haenel), qui est promise à un riche Milanais. Lorsque la mère d’Héloïse engage Marianne (Noémie Merlant) pour peindre un portrait de sa fille, les deux femmes tombent amoureuses et vivent le genre d’histoire d’amour déchirante qui a rendu les drames historiques lesbien si indéniables en premier lieu. Vous serez captivé.
Nomadland
Ce film du réalisateur Chloé Zhao, sur la quête d’une femme après la Grande Récession à travers l’Ouest américain, a remporté de nombreux Oscars, y compris celui du meilleur film, meilleure actrice pour la principale Frances McDormand, et meilleur réalisateur et meilleur montage pour Zhao. Zhao a également remporté celui du meilleur scénario adapté pour son adaptation du livre de la contributrice de WIRED, Jessica Bruder, également intitulé Nomadland. C’est un regard éclairant sur le rêve américain moderne.
Fresh
Noa (Daisy Edgar-Jones) est une femme célibataire en quête d’un partenaire, mais fatiguée de la scène des rencontres en ligne. Lorsqu’elle rencontre Steve (Sebastian Stan), un étranger excentrique et séduisant, elle décide de lui donner son numéro. Les deux s’entendent bien lors du premier rendez-vous et finissent par faire des plans pour passer un week-end ensemble—ce qui est le moment où Noa réalise que Steve a caché quelques détails troublants sur lui-même. En fin de compte, Fresh se présente comme une leçon sur les horreurs des rencontres à l’ère numérique (réelles et imaginaires).
Palm Springs
Étant donné l’existence de Groundhog Day presque parfait de Harold Ramis, il faut beaucoup de culot à un cinéaste pour ajouter un autre film au canon des rom-com en boucle temporelle inépuisable. Mais l’écrivain-réalisateur Max Barbakow l’a fait quand même avec Palm Springs, et le public est reconnaissant qu’il l’ait fait. En s’appuyant sur les règles initialement établies dans Groundhog Day, Palm Springs offre sa propre tournure unique à l’histoire. Au lieu de montrer une personne (Phil Conners joué par Bill Murray) poussée lentement au bord de la folie parce qu’elle est la seule à sembler vivre le phénomène, Palm Springs a trois invités à un mariage—Nyles (Andy Samberg), Sarah (Cristin Milioti), et Roy (J. K. Simmons)—vivant le même jour encore et encore et travaillant ensemble pour trouver un moyen d’en sortir.
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