Netflix a beaucoup de films à regarder. Peut-être trop nombreux. Parfois, trouver le bon film au bon moment peut sembler être une tâche impossible. Ne vous inquiétez pas, nous sommes là pour aider. Ci-dessous, une liste de certains de nos favoris actuellement sur le service de streaming – des drames aux comédies en passant par des thrillers.
Si vous décidez que vous avez plus envie de série TV, rendez-vous sur notre collection des meilleures séries TV sur Netflix. Vous en voulez plus ? Consultez nos listes des meilleurs films de science-fiction, des meilleurs films sur Amazon Prime et des meilleures productions sur Disney+.
Joy
La fécondation in vitro peut sembler être une procédure médicale relativement banale de nos jours, une procédure qui a apporté espoir et famille à d’innombrables personnes luttant pour concevoir, mais lorsque la procédure a été développée par un trio de scientifiques et de médecins britanniques dans les années 1960 et 70, elle était extrêmement controversée. Cela constitue un matériel puissant pour cette dramatique, retraçant le travail de l’infirmière et embryologiste Jean Purdy (Thomasin McKenzie), du scientifique Robert Edwards (James Norton), et du chirurgien Patrick Steptoe (Bill Nighy), même alors qu’ils sont diabolisés par le public, le gouvernement britannique, et même – peut-être surtout – l’église. McKenzie, en particulier, est brillante en tant que Purdy, déchirée par son propre conflit de foi d’être impliquée dans ce travail qui change la vie, qui impliquait également de fournir des soins d’avortement sûrs aux femmes qui en avaient besoin, et luttant pour faire face à l’ostracisme qu’elle subit de la part de sa famille et de sa communauté en conséquence. Un drame puissant et provocateur, même aujourd’hui.
Hot Frosty
Vous l’avez presque certainement vu sur votre fil Netflix. Vous avez remis en question sa qualité ; non, son existence même. Vous êtes, malgré vous, inexplicablement attiré par lui. Cédez. Regardez le film sur la veuve solitaire Kathy (Lacey Chabert) qui donne vie à un bonhomme de neige ridiculement sculpté, Jack (Dustin Milligan), de manière sensationnellement sculptée avec une écharpe magique. Réjouissez-vous alors que la naïveté nouvellement née de Jack charme toute une petite ville. S’évanouissez alors qu’il fait fondre le cœur gelé de Kathy, même s’il est lui-même de plus en plus proche de fondre littéralement. Peut-être le film de Noël le plus bête de tous les temps – et c’est un domaine encombré – Hot Frosty amène le concept de “tellement mauvais que c’est bon” à son apothéose inévitable. C’est terrible. C’est brillant. C’est exactement le film de vacances dont vous avez besoin pour faire taire l’anxiété lancinante de l’existence en 2024.
Emilia Pérez
Dire que vous n’avez jamais vu quelque chose comme Emilia Pérez est un euphémisme sauvage. Vraiment, comment quelque chose décrit comme un « musical de cartel trans » pourrait-il être autre chose qu’accrocheur à regarder ? Au début, Rita (Zoe Saldaña) est une avocate épuisée à Mexico qui effectue un travail dont son patron prend le crédit. Tout change lorsqu’elle est contactée par un chef de cartel qui a besoin de son aide pour recevoir des soins de confirmation de genre. Rita s’engage, lançant un partenariat entre les deux qui inclut finalement le lancement d’une organisation pour aider les familles ayant perdu des membres à cause de la violence des cartels et un (peut-être mal avisé) effort pour réunir le chef de la mafia, l’Emilia du titre du film (interprétée par l’actrice espagnole Karla Sofía Gascón), avec la femme et les enfants qui croient qu’elle est morte. Plein de changements dans l’intrigue et le ton qui sont presque impossibles à prévoir, le dernier film du réalisateur Jacques Audiard reste captivant jusqu’à la dernière minute.
The Karate Kid
Si vous êtes accro au mélodrame de mêlée de Cobra Kai, vous vous devez de voir où tout a commencé. Lorsque la mère de Daniel LaRusso déménage la famille du New Jersey en Californie, le teenager doit faire face aux plus grandes menaces du cinéma adolescent des années 1980 : une nouvelle école, un béguin écrasant et des brutes. Outclassé lors d’une bagarre avec le rival Johnny Lawrence (William Zabka), Daniel (Ralph Macchio) convainc le voisin M. Miyagi (Pat Morita) de lui apprendre le karaté. Les méthodes d’enseignement de M. Miyagi – faire des corvées et apprendre à « cirer dessus, cirer en dessous » – peuvent-elles vraiment aider Daniel à égaliser les chances ? Spoiler : oui. Gâteau et infiniment années 80, The Karate Kid reste un plaisir à regarder, quarante ans plus tard.
Woman of the Hour
Un serial killer est casté en tant que célibataire dans un jeu télévisé de rencontres, lui permettant d’évaluer sa prochaine victime potentielle devant le public regardant chez lui. Ce serait une configuration tordue pour un film d’horreur – mais ce qui est horrible dans Woman of the Hour, c’est que c’est basé sur le cas réel de Rodney Alcala, qui était un concurrent dans The Dating Game en 1978 alors qu’il était au milieu d’une série de meurtres. Cette dramatique n’est pas centrée sur le tueur, cependant. Dans ses débuts de réalisatrice, Anna Kendrick se concentre plutôt sur Sheryl (interprétée par Kendrick, basée sur la vraie Cheryl Bradshaw), la malheureuse qui a eu la malchance d’être associée à Alcala (Daniel Zovatto), et les femmes qui ont signalé ou soupçonné le tueur, seulement pour être systématiquement ignorées par les autorités. Un thriller tendu qui fait clairement ressortir l’horreur réelle résidant dans la facilité avec laquelle Alcala a su échapper à l’attention si longtemps.
Don’t Move
Rouvrant à lui seul le débat “homme ou ours”, Don’t Move suit une mère en deuil nommée Iris (Kelsey Asbille, Yellowstone) qui est traquée à travers la nature après avoir été injectée d’un agent paralysant par un inconnu. Avec son corps qui se ferme lentement, Iris a 20 minutes pour s’échapper ou trouver de l’aide, tout en étant poursuivie par son agresseur, Richard (Finn Wittrock), froidement et implacablement à ses trousses. Réalisé par Adam Schindler et Brian Netto, et produit par Sam Raimi, ce jeu de chat et de souris habilement rythmé ne lâche que rarement, et Asbille offre une performance incroyable en tant qu’Iris de plus en plus immobile. Si vous allez dans les bois aujourd’hui… choisissez l’ours.
It’s What’s Inside
Neuf amis d’université se retrouvent pour un enterrement de vie de garçon – que pourrait-il mal tourner ? Beaucoup, lorsqu’un des jeux de fête implique un dispositif expérimental d’échange de corps. Alors que les participants jouent à la mafia ultime, essayant de deviner qui habite le corps de qui, les relations se détériorent et leur sens même de soi s’érode. À mesure que les corps commencent à tomber, vous pourriez commencer à vous sentir comme un joueur vous-même, incertain de pouvoir faire confiance à quiconque. Avec une jeune distribution talentueuse qui maîtrise les performances nuancées des autres comme ils échangent de corps, ce thriller indépendant frais du scénariste-réalisateur Greg Jardin équilibre magistralement l’humour noir avec des rebondissements d’intrigue encore plus sombres.
Will & Harper
Will Ferrell n’a probablement pas besoin d’être présenté, mais en tant qu’ancien rédacteur en chef de Saturday Night Live, Harper Steele est plus habitué à la vie derrière la caméra. Rejoignant l’émission à succès dans la même semaine en 1995, les deux ont établi une amitié de plusieurs décennies. Lorsque Harper écrit pour dire à Ferrell qu’elle allait vivre en tant que femme, cela représentait un grand changement pour eux deux. Cela a également formé la base de ce magnifique, réconfortant, et souvent hilarant documentaire de road trip suivant le duo alors qu’ils traversent les États-Unis dans un vieux Jeep Grand Wagoneer, se reconnectant et apprenant ce à quoi ressemble leur amitié désormais. C’est parfois une visualisation maladroite – certaines des questions de Ferrell brouillent la ligne entre obscène et tout simplement impoli – mais c’est un voyage brut et authentique pour eux deux. Au-delà des touches personnelles, Will & Harper est une vue opportune de ce à quoi ressemble l’Amérique pour une personne trans en ce moment, ce qui en fait possiblement l’un des documentaires les plus importants que Netflix ait produits.
His Three Daughters
Alors que leur père approche de la fin de sa vie, les sœurs Rachel (Natasha Lyonne), Katie (Carrie Coon) et Christina (Elizabeth Olsen) sont forcées de se reconnecter en attendant l’inévitable. Un sujet triste, mais aussi un terreau pour des performances magistrales du trio principal, avec Rachel ayant pris en charge la majeure partie des soins pendant des mois, Katie lançant des exigences impérieuses tout en évitant la situation, et Christina new-age essayant de maintenir la paix – malgré le fait qu’elle soit elle-même à un point de rupture. Ceci est presque une pièce d’appartement verrouillée, l’appartement piégeant les femmes, les forçant à faire face non seulement à la mort de leur père mais aussi à leur propres relations entre elles, alors que Vincent (Jay O. Sanders) les hante même avant son décès. La mort peut planer sur le drame du réalisateur Azazel Jacobs, mais His Three Daughters prouve finalement être curieusement affirmatif de la vie.
Grave of the Fireflies
Lorsque Seita et sa jeune sœur Setsuko sont orphelins à la suite du bombardement de Kobe pendant les derniers jours de la Seconde Guerre mondiale, les frères et sœurs sont forcés dans des circonstances terribles pour survivre. Coincés entre une famille élargie abusive et la désespérance totale de fouiller autour des ruines de leur ville natale détruite, c’est une existence morose – et aussi la base de l’une des meilleures œuvres de Studio Ghibli. Réalisé par Isao Takahata et basé sur une nouvelle de Akiyuki Nosaka, Grave of the Fireflies est sans apologies accablant dans son exploration de la manière dont la guerre et le nationalisme consument les plus vulnérables, tout en étant parsemé de moments d’amour indéfectible alors que Seita tente de protéger l’innocence de Setsuko. Ce drame de guerre percutant est sobre mais un visionnage essentiel, un film qui mérite amplement son rang parmi les meilleurs films de Studio Ghibli.
Rebel Ridge
Lorsque des policiers corrompus mettent l’ex-marin Terry Richmond (Aaron Pierre) hors de la route pour avoir fait du vélo en tant que Noir, ils saisissent également l’argent qu’il avait prévu d’utiliser pour payer la caution de son cousin. Malgré l’injustice, Terry essaie de tout faire dans les règles, mais découvre presque chaque aspect du système juridique contre lui. À court de patience, et alimenté par une colère immensément justifiée, il s’emploie à déterrer la pourriture de cette petite ville, aidé seulement par la greffière de la cour Summer (AnnaSophia Robb). Le scénariste-réalisateur Jeremy Saulnier aurait pu faire de Rebel Ridge un simple First Blood moderne, mais bien qu’il y ait beaucoup de scènes de combat viscérales et dévastatrices, c’est le regard avec colère du film sur les défaillances profondément ancrées du système juridique américain qui lui donne son mordant – tout en cimentant Pierre comme une star d’action à surveiller.
Wicked Little Letters
Basé sur des événements réels, Wicked Little Letters se déroule en 1920, dans la charmante ville anglaise de Littlehampton. Lorsque la famille aisée d’Edith Swan commence à recevoir des lettres abusives, l’immigrante irlandaise Rose Gooding – qui a une réputation de fauteur de troubles à la langue bien pendue, et qui récemment est entrée en désaccord avec Edith – est suspecte numéro un. Pourtant, alors que la plaie des notes « à plume empoisonnée » se propage et devient un scandale national, seul l’agent de police ignoré Gladys Moss (Anjana Vasan) croit que Rose est victime d’un coup monté. La lauréate d’un Oscar, Olivia Colman, est au sommet de son art en tant qu’Edith, tandis que Jessie Buckley régale avec une performance ardente en tant que Rose dans cette comédie étonnamment hilarante.
Lumberjack the Monster
D’abord : Ceci n’est absolument, positivement pas pour les jeunes spectateurs — mais cela était à prévoir de la part du réalisateur Takashi Miike (Ichi the Killer). Bien qu’il ait dérivé vers des œuvres plus familiales avec les adaptations de jeux vidéo et de manga Ace Attorney et JoJo’s Bizarre Adventure, Miike revient à ses racines d’horreur choc avec Lumberjack the Monster. Il suit Akira Ninomiya (Kazuya Kamenashi), un avocat prêt à tuer pour avancer, et la querelle à l’échelle de la ville qui suit lorsqu’un tueur en série masqué – le Lumberjack titulaire – se met à son tour à le viser. Aussi sanglant et extravagant que Miike ait pu l’être, et avec des touches de surréalisme ajoutées, ce n’est pas pour les âmes sensibles, mais c’est un retour captivant à la forme pour le créateur infâme.
The Long Game
Basé sur l’histoire vraie des San Felipe Mustangs, The Long Game suit le vétéran de la Seconde Guerre mondiale devenu surintendant d’école secondaire J.B. Peña (Jay Hernandez) dans les années 1950 alors qu’il forge un groupe d’adolescents mexicano-américains avec un talent naturel pour le golf — mais sans endroit pour jouer, grâce aux pratiques racistes et d’exclusion du club officiel de leur ville texane – en une équipe gagnante de championnat. Bien que le film ait tous les éléments d’un film de sport sur les sous-estimés (et peut-être quelques trop nombreuses métaphores de golf comme métaphore de la vie), le réalisateur Julio Quintana évite les clichés les plus larmoyants du genre, se concentrant plutôt sur les frustrations et les ambitions des jeunes joueurs – en particulier Joe Treviño (Julian Works), le leader de facto de l’équipe qui subvertit les attentes en refusant même de vouloir jouer dans un club qui ne le respecte pas. Avec sa distribution fantastique renforcée par des acteurs tels que Cheech Marin, Dennis Quaid et Jaina Lee Ortiz, The Long Game est un magnifique conte de briser les barrières, sur et hors du parcours de golf.
Beverly Hills Cop: Axel F
Après deux précédentes escapades hilarantes à la glamour Beverly Hills (nous ne comptons pas Beverly Hills Cop III de 1994), le détective Axel Foley (un Eddie Murphy en pleine renaissance, prouvant qu’il n’a rien perdu de son éclat des années 1980) est de retour en Californie après avoir causé une petite destruction publique dans sa ville natale de Detroit, seulement pour découvrir que la vie de sa fille éloignée Jane (Taylour Paige) est en danger. Les suites héritées, des décennies après leurs sorties originales, peuvent souvent être mitigées, mais Axel F trouve cet équilibre parfait entre nostalgie et renouveau, offrant à Murphy une multitude d’anciens et nouveaux alliés et ennemis avec qui faire équipe. Joseph Gordon-Levitt, en particulier, impressionne en tant que Bobby Abbott, le nouveau partenaire de Foley au BHPD — et l’ex de Jane — tandis que des visages familiers, Billy Rosewood (Judge Reinhold) et Jeffrey Friedman (Paul Reiser), font un retour bienvenu sans que cela ne semble être des caméos gratuits. Le meilleur de tout cela est la dépendance d’Axel F sur des effets pratiques et des cascades, notamment dans une série de séquences de poursuite véritablement passionnantes tirées tout droit des années 80. Un retour en arrière qui regarde vers l’avenir, c’est le meilleur Beverly Hills Cop depuis l’original.
Under Paris
Ce film de créature français tellement sérieux qu’il en devient risible voit Bérénice Bejo comme la spécialiste marine Sophia Assalas, qui traque un requin mako qui a non seulement muté spontanément pour survivre dans la Seine d’eau douce mais est également sur le point de donner naissance à une multitude de requins mangeurs d’hommes. La situation ne pourrait être pire : Paris est sur le point d’accueillir un triathlon, avec la portion de natation prête à devenir un buffet à volonté ! Écoutez, tout sur cette liste n’a pas besoin d’être de l’art élevé — parfois, vous avez simplement besoin de voir un requin mutant se mettre à manger des gens pendant que des humains de plus en plus désespérés commencent à faire exploser des choses. Appuyez sur Play, éteignez le cerveau, profitez.
Hit Man
Gary Johnson (Glen Powell) est un professeur de philosophie au caractère doux — et un tueur à gages. Eh bien, pas vraiment. Il se contente de faire semblant, collaborant avec le département de police de la Nouvelle-Orléans pour piéger des gens cherchant à embaucher un tueur à gages. C’est un rôle dans lequel il est étonnamment doué, mais lorsque Madison (Adria Arjona) cherche à « régler » son mari violent, Gary commence à tomber amoureux d’elle — et les conséquences pourraient être fatales pour de vrai. Dans les mains d’un autre créateur, Hit Man aurait pu être soit trop sombre, soit simplement insubstantiel (c’est librement basé sur une histoire vraie), mais le réalisateur Richard Linklater exploite ses dialogues étincelants et ses personnages brillamment réalisés pour livrer une comédie d’action intelligente qui explore les rôles que les gens jouent dans la société tout en offrant des péripéties d’identité erronée.
Godzilla Minus One
Malgré la présence du kaiju éponyme, Godzilla Minus One est un film ancré dans l’humanité de ses protagonistes, le pilote kamikaze déserteur Koichi Shikishima (Ryunosuke Kamiki) et Noriko Ōishi (Minami Hamabe), une survivante des bombardements de Tokyo. Ramenés ensemble en tant que famille de substitution alors qu’ils élèvent un bébé orphelin, leurs tentatives de bâtir une nouvelle vie deviennent chaotiques lorsque le reptile irradié descend sur la ville juste au moment où elle commence à se remettre. La réinvention par le réalisateur Takashi Yamazaki du premier kaiju du Japon a valu au Roi des Monstres son premier Oscar, remportant une statue pour les meilleurs effets visuels lors des Oscars 2024, mais c’est un film qui dépasse le simple spectacle – c’est un examen saisissant de la vie après la guerre, et comment une nation lutte avec le fait d’être du mauvais côté.
Suzume
Suzume Iwato (doublée par Nanoka Hara en japonais, Nichole Sakura en anglais) vit avec sa tante sur l’île sud du Japon, ayant perdu sa mère lors du tremblement de terre de Tōhoku en 2011. Lorsqu’un jeune étranger séduisant nommé Souta (Hokuto Matsumura, Josh Keaton) lui demande des directions vers des ruines locales, elle le suit par curiosité mais perturbe une pierre angulaire vivante, libérant accidentellement une ancienne puissance qui menace de détruire tout le pays. Attirés dans le monde de Souta, les deux poursuivent la pierre angulaire, maintenant sous la forme d’un chat, à travers le Japon dans une tentative désespérée de refermer l’entité destructrice – une quête qui serait plus facile si Souta n’avait pas été transformé en chaise en bois pour enfant. Le dernier film de Makoto Shinkai (Your Name, Weathering with You), Suzume est un chef-d’œuvre d’animation à couper le souffle avec une touche de réalisme magique – mais au-delà du spectacle, c’est un conte réconfortant de communauté et d’humanité, chaque arrêt au cours du voyage peu probable du duo étant un instantané de personnes et de familles se réunissant après la tragédie.
The Wandering Earth
Un colossal succès dans son pays d’origine, La Terre Errante a rapporté plus de 700 millions de dollars au box-office chinois, poussant Netflix à acquérir les droits de diffusion du phénomène de science-fiction à l’international. Le film suit un groupe d’astronautes, quelque part dans un avenir lointain, tentant de diriger la Terre loin du Soleil, qui se dilate en géante rouge. Le problème ? Jupiter est également sur le chemin. Alors que la Terre est dirigée par 10 000 moteurs crachant du feu qui ont été fixés à sa surface, les humains encore sur la planète doivent trouver un moyen de survivre dans des conditions environnementales en constante évolution. Une adaptation d’une nouvelle de Cixin Liu, c’est le complément parfait à l’adaptation par Netflix du Problème à trois corps de Liu.
Maboroshi
À tous égards, Masamune mène une existence normale d’adolescent dans sa ville natale rurale japonaise – jusqu’à ce que l’acier local explose, scellant mystérieusement toute la ville dans une bulle de temps inexplicable où personne ne vieillit. Alors que la petite communauté lutte pour s’adapter, une culture qui craint le changement émerge, initialement à partir de la présomption que les résidents devraient réintégrer le monde extérieur tel qu’ils l’ont quitté, et finit par interdire même les nouvelles relations. Pourtant, lorsque la étrange camarade de classe de Masamune, Mutsumi, l’attire vers la défectueuse usine et lui présente une jeune fille sauvage qui ne devrait pas exister, la réalité bizarre qu’ils habitent tous commence à s’effondrer. Un twist fantastique sur les notions de rébellion juvénile, la prison de la familiarité et les peurs du changement, Maboroshi – signifiant « illusion » – est une brillante deuxième œuvre du réalisateur Mari Okada – dont les premiers pas en 2018, Maquia: When the Promised Flower Blooms, a remporté des éloges autour du globe – et qui établit fermement sa place en tant que l’un des créateurs les plus passionnants travaillant en animation aujourd’hui.
Always Be My Maybe
Écrit par et avec Ali Wong et Randall Park, Always Be My Maybe raconte l’histoire de deux amis d’enfance inséparables dont les vies s’écartent dramatiquement après un rendez-vous tragique au cours de leur adolescence. Wong joue Sasha Tran, une chef superstar dont la carrière stratosphérique cache à peine les fissures de sa relation défaillante. Park, quant à lui, joue Marcus Kim, dont les ambitions ne l’ont mené pas plus loin que le bar local et l’entreprise de climatisation de son père. Le destin – et un caméo bizarre de Keanu Reeves – conspirent pour ramener les deux protagonistes ensemble dans une comédie romantique réfléchie et hilarante.
Leave the World Behind
Un week-end de détente dans une location de vacances de luxe pour Amanda, Clay et leurs enfants, Archie et Rose, prend une tournure sinistre à la suite d’une panne inexplicable. Lorsque le propriétaire de la maison, George, et sa fille, Ruth, rentrent plus tôt, les soupçons montent – mais un groupe grandissant de cerfs rôdant autour de la maison, des véhicules en panne, et des rapports épars d’attaques à travers le pays forcent les deux familles à compter sur l’autre face à ce qui pourrait être la fin du monde. Adapté du roman du même nom de Rumaan Alam, et avec un casting étoilé comprenant Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha’la et Kevin Bacon, ce film se réjouit de garder le public aussi incertain que ses personnages, expliquant peu et laissant des questions que vous allez réfléchir pendant des jours.
Good Grief
Écrit et réalisé par Dan Levy, ce drame touchant explore la difficulté de surmonter une tragédie. Lorsque le mari de Marc (Levy), Oliver, meurt, il est incapable de faire son deuil après avoir appris l’existence d’une liaison – et un week-end à Paris avec ses amis solidaires Sophie (Ruth Negga) et Thomas (Himesh Patel), chacun étant confronté à ses propres dilemmes existentiels de couple, ne fait qu’aggraver les choses lorsque l’on découvre qu’Oliver louait secrètement un appartement là-bas. Bien que le sujet de chagrin soit un choc tonal pour quiconque attiré par la performance de Levy dans Schitt’s Creek, Good Grief prouve être une exploration empathique des complexités du deuil, qui s’avère beaucoup plus chaleureuse et affirmant la vie que ce à quoi les spectateurs pourraient s’attendre à l’approche.
Rustin
Réalisé par George C. Wolfe (Ma Rainey’s Black Bottom), ce biopic explore la vie de l’activiste des droits civiques Bayard Rustin. Bien que peut-être mieux connu comme l’un des principaux organisateurs de la Marche sur Washington de 1963, Rustin était également ouvertement et sans excuses gay à une époque où c’était phénoménalement rare – et le film n’hésite pas à montrer comment cela a aliéné de nombreuses personnes avec qui il travaillait, sa sexualité étant souvent perçue comme une menace pour le mouvement. Un projecteur bien nécessaire sur une figure négligée mais essentielle du mouvement des droits civiques, élevé par une performance centrale d’un Colman Domingo spectaculairement bien casté en tant que Rustin lui-même.
His House
Fuyant un Soudan du Sud dévasté par la guerre, Bol (Ṣọpẹ́ Dìrísù) et Rial (Wunmi Mosaku) vivent désormais dans une maison délabrée à la périphérie de Londres, harcelés par leurs voisins alors qu’ils essaient de s’intégrer. Le couple est également hanté par les vies qu’ils ont laissées derrière – tant au sens figuré (qu’éventuellement physiquement), avec des visions de leur fille décédée Nyagak, qui n’a pas survécu au voyage, s’estompe à travers les murs de leur triste nouveau foyer. L’horreur réelle de His House n’est pas la vision étrange, la maison hantée ou les fantômes potentiels, cependant – c’est la morosité des vies dans lesquelles Bol et Rial sont forcés d’évoluer, l’hostilité et la déshumanisation du processus d’asile britannique, le racisme tant ouvert que casual, le tout conjugué avec un énorme sentiment de perte qu’ils portent avec eux. Combinant le macabre avec le quotidien, le réalisateur Remi Weekes livre un film tendu et défiant qui hantera les spectateurs autant que ses personnages.
The Black Book
Paul Edima (Richard Mofe-Damijo) mène une vie paisible en tant que diacre de l’église, cherchant à expier ou du moins à oublier ses actes passés en tant qu’agent spécial hautement entraîné. Les plans de laisser derrière lui son passé violent et sanglant s’effondrent lorsque son fils est faussement accusé d’un meurtre et ensuite tué par des policiers corrompus, le forçant à revenir à ses anciennes compétences alors qu’il cherche à se venger. Des ombres de Taken, oui, mais c’est l’énergie brute et les nouvelles perspectives du réalisateur Editi Effiong sur les formules familières des films d’action qui — soutenues par l’un des budgets les plus élevés de l’histoire de “Nollywood” — ont permis à cette sortie brutale de se hisser au sommet des listes de visionnage, aussi loin que la Corée du Sud. Élargissez vos horizons cinématographiques et voyez de quoi il s’agit.
The Wonderful Story of Henry Sugar
Ignorez son temps de 41 minutes et mettez de côté tout débat sur le fait que sa brièveté “compte” comme un film – cette sortie fantastique voit Wes Anderson adapter pour la première fois une œuvre de Roald Dahl depuis Fantastic Mr. Fox de 2009, et le résultat est tout aussi brillant. Plutôt que de l’animation en stop-motion, comme avec Mr. Fox, il s’agit d’une affaire en live-action mise en avant par une performance de premier ordre de Benedict Cumberbatch dans le rôle du titulaire Henry Sugar, un riche homme ennuyé qui acquiert un étrange pouvoir et l’utilise finalement pour améliorer le monde. Avec un casting plus large comprenant Dev Patel, Ralph Fiennes et Ben Kingsley, et réalisé avec tous les sens esthétiques caractéristiques d’Anderson, c’est vraiment une merveilleuse histoire. Et, si vous êtes toujours dérangé par la courte durée, réjouissez-vous du fait que cela forme un tétraptyque avec The Rat Catcher, The Swan, et Poison ; des courts métrages de 15 minutes avec le même casting, réalisés par Anderson, et tous adaptant d’autres contes de Dahl dans son style caractéristique.
Eldorado: Everything The Nazis Hate
Centré sur le nightclub éponyme de Berlin, ce documentaire explore la vie des personnes LGBTQ+ durant les années d’entre-deux-guerres, des années folles des années 1920 à la montée des nazis et dans les horreurs de la Seconde Guerre mondiale. Avec un mélange d’archives, de reconstitutions et de témoignages de première main, le réalisateur Benjamin Cantu peint un tableau de décadence joyeuse, l’Eldorado étant un territoire presque sacré où les artistes et les clients expérimentaient l’expression de genre et pouvaient afficher ouvertement leur sexualité. C’est un hommage à ce qui a été perdu, mais en gardant un œil sur les contradictions bizarres de l’époque, où les clients de clubs ouvertement gays portaient leurs propres uniformes nazis à mesure que les années passaient. Everything the Nazis Hate est un visionnage émotionnellement difficile par endroits, mais il offre un aperçu important de l’histoire queer dont beaucoup seront complètement ignorants.
Marry My Dead Body
Wu Ming-han (Greg Hsu) n’est pas un homme formidable. Un policier homophobe, sa vie – et ses préjugés – changent lorsqu’il ramasse une enveloppe rouge anodine en enquêtant sur un cas. Désormais lié par la coutume du « mariage fantôme » à Mao Mao (Austin Lin), un homme gay mort dans des circonstances mystérieuses, Wu doit résoudre la mort de son « mari » avant de pouvoir poursuivre sa vie. Réalisé par Cheng Wei-hao, mieux connu pour ses thrillers et films d’horreur, Marry My Dead Body voit le réalisateur taïwanais apporter ses stylings surnaturels à cette comédie absurde fantomatique pour un film qui transcende les frontières.
They Cloned Tyrone
Le dealer de drogue Fontaine (John Boyega) a été abattu la nuit dernière. Alors pourquoi vient-il de se réveiller au lit comme si de rien n’était ? Cette question existentielle amène Fontaine et deux alliés improbables – la prostituée Yo-Yo (Teyonah Parris) et le proxénète Slick Charles (Jamie Foxx) – à découvrir un vaste complot centré sur une ville à majorité noire appelée The Glen, où les gens sont apaisés par une musique rap hypnotique, abrutis par un poulet frit imbibé de drogue et du jus de raisin, et prêchés à l’obéissance à l’église. Mais qui utilise la ville comme un terrain d’essai, et pourquoi y a-t-il un laboratoire de clonage enterré sous terre ? Cette satire aiguisée du scénariste et réalisateur débutant Juel Taylor mélange habilement les genres, de l’utilisation de motifs visuels et de clichés dépassés des films de Blaxploitation des années 1970 à ses fréquents pas dans le territoire de la science-fiction et la comédie hilarante. Mais ce sont les performances puissantes de son casting central qui marquent cette production comme à surveiller.
Nimona
La métamorphe Nimona peut devenir ce qu’elle veut, un don qui fait que les gens la craignent et l’ignorent. Si la société va la traiter comme une méchante, elle va en être une, alors elle décide de devenir le acolyte du détesté chevalier noir, Ballister Blackheart. Malheureusement pour l’aspirante menace, Blackheart n’est pas tout à fait le monstre qu’on le croit être, et au contraire, il essaie de maîtriser les tendances plus meurtrières de Nimona alors qu’il cherche à nettoyer son nom d’un crime qu’il n’a pas commis – tout en affrontant son vieil ami Ambrosius Goldenloin dans le processus. Adapté du roman graphique innovant de N. D. Stevenson, Nimona est plus qu’une autre fantaisie capricieuse – c’est un conte d’outsiders et d’exilés, des gens essayant de bien faire même lorsque leur communauté les rejette, et la joie de trouver leur propre petite bande en cours de route. Après un voyage de presque dix ans vers l’écran, ce film d’animation étincelant est devenu un classique instantané.
The Boys in the Band
Situé à New York en 1968, The Boys in the Band est un instantané de la vie gay un an avant que Stonewall n’attire l’attention du grand public sur les droits LGBTQ+. Lorsque Michael (Jim Parsons, tout juste sorti de The Big Bang Theory) organise une fête d’anniversaire pour son meilleur ennemi Harold (Zachary Quinto), il s’attend à une nuit de boissons, de danse et de potins avec leur cercle intime – jusqu’à ce qu’Alan, l’ami hétéro de Michael à l’université, pointe le bout de son nez, désespéré de partager quelque chose. Au fur et à mesure que la nuit avance, les personnalités se heurtaient, les tempéraments s’effritaient et les secrets menaçaient de remonter à la surface dans l’étude de caractère tendue du réalisateur Joe Mantello. Adaptée pour l’écran par Mart Crowley, auteur de la pièce originale, cette œuvre d’époque parvient à être une exploration aussi poignante des relations et des identités queer que jamais.
Cargo
Dans un monde déjà dévasté par une épidémie semblable à celle des zombies, Andy Rose (Martin Freeman) ne souhaite que garder sa famille en sécurité, empruntant les routes rurales de l’Australie pour éviter l’infection. Après que sa femme soit tragiquement mordue, et qu’elle l’infecte à son tour, Andy désespère de trouver un refuge sûr pour sa fille infantile, Rosie. Avec à peine 48 heures avant de succomber lui-même, Andy trouve une alliée en Thoomi (Simone Landers), une fille aborigène cherchant à protéger son propre père enragé. Mais avec des menaces provenant de survivalistes paranoïaques et de communautés aborigènes chassant les infectés, il se peut qu’il soit déjà trop tard. Une tournure unique sur l’apocalypse zombie, Cargo abandonne les paysages urbains familiers du genre pour les sauvages paysages à couper le souffle de l’Australie et offre une approche plus lente, centrée sur les personnages de la fin du monde.
Guillermo del Toro’s Pinocchio
Le maître moderne du macabre donne vie au petit garçon en bois comme jamais auparavant dans cette adaptation magnifiquement animée de Pinocchio. Dans un chef-d’œuvre en stop motion qui se rapproche de l’histoire originale des années 1880 de Carlo Collodi que la version Disney assainie, Guillermo del Toro ajoute sa propre touche et des rebondissements captivants à l’histoire classique qui la rendent sombrement envoûtante – attendez-vous à une Fée Bleue plus proche d’un ange bibliquement exact à plusieurs yeux et à un Terrible Poisson-chien plus proche d’un kaiju. C’est la décision de transposer le récit pendant la Seconde Guerre mondiale qui est la plus marquante cependant. Casté contre la montée du fascisme, avec Gepetto pleurant la perte de son fils, le film est bourré de thèmes complexes sur la mortalité et la moralité qui hanteront les spectateurs longtemps après le générique. Si cela ne vous convainc pas, peut-être le fait que cela a remporté le prix du meilleur long métrage d’animation aux Oscars 2023 le fera.
Call Me Chihiro
Un film idyllique de la vie quotidienne avec un tour, Call Me Chihiro suit une ancienne travailleuse du sexe – la titulaire Chihiro, jouée par Kasumi Arimura – après qu’elle ait déménagé dans une ville côtière pour travailler dans un restaurant de bento. Ce n’est pas l’histoire d’une femme en fuite ou qui essaie d’échapper à son passé – Chihiro est étonnamment franche et sans excuses, et sa chaleur et son ouverture commencent rapidement à changer la vie de ses voisins. Réalisé par Rikiya Imaizumi, c’est un drame de caractère intime et émouvant qui alterne entre des moments de solitude agonisante et de joie pure, chargé de battements émotionnels qui rappellent aux spectateurs l’importance des connexions, même les plus petites.
The Sea Beast
Il est facile d’imaginer que le pitch de l’ascenseur pour The Sea Beast était « Moby Dick rencontre How to Train Your Dragon » – et qui ne serait pas convaincu par cela ? Situé dans un monde fantastique où des léviathans océaniques terrorisent l’humanité, ceux qui chassent les géants monstres sont loués en tant que héros. Jacob Holland (doublé par Karl Urban) est un de ces héros, fils adoptif du légendaire capitaine Crowe et bien en route pour construire son propre héritage en tant que chasseur de monstres – un parcours perturbé par la passagère clandestine Maisie Brumble (Zaris-Angel Hator), qui a ses propres ambitions de s’attaquer aux bêtes de mer. Cependant, après une tentative pour détruire le colossal Red Bluster qui tourne mal, Jacob et Maisie se retrouvent sur une île remplie de créatures, et ils réalisent que les monstres ne sont peut-être pas si monstrueux après tout. Une aventure maritime enjouée réalisée par Chris Williams – de la renommée de Big Hero 6 et Moana — elle a affirmé sa place en tant qu’un des meilleurs films de Netflix avec une nomination pour le meilleur long métrage d’animation aux Oscars de cette année.
Glass Onion: A Knives Out Mystery
Daniel Craig reprend son rôle de détective Benoit Blanc dans cette brillante suite au phénomène de 2019, Knives Out. Le scénariste-réalisateur Rian Johnson crée une nouvelle affaire diaboliquement aiguisée pour « le Dernier des Gentilshommes Détectives », emmenant Blanc dans une escapade sur une île grecque pour un milliardaire technologique reclus et sa collection d’amis et de parasites, où un week-end de mystère de meurtre prévu prend une tournure mortelle. Bien que totalement accessible aux nouveaux venus, les fans du premier film seront également récompensés par un développement de personnage plus profond pour Blanc, un rôle qui est en train de devenir aussi emblématique pour Craig que 007. Écrit avec autant d’intelligence et méticuleusement construit que son prédécesseur, et avec le genre de distribution étoilée – Edward Norton ! Janelle Monáe ! Kathryn Hahn ! Leslie Odom Jr.! Jessica Henwick ! Madelyn Cline ! Kate Hudson ! Dave Bautista ! – que les rêves de cinéma sont faits de, Glass Onion pourrait être la meilleure chose que Netflix ait sortie cette année.
The Wonder
Florence Pugh brille dans ce film qui n’est pas tout à fait un film d’horreur du réalisateur oscarisé Sebastián Lelio. Situé en 1862, l’infirmière anglaise Lib Wright (Pugh) est envoyée en Irlande pour observer Anna O’Donnell, une fille qui prétend ne pas avoir mangé depuis quatre mois, vivant plutôt de « la manne du ciel ». Toujours en deuil de la perte de son propre enfant, Lib est déchirée entre enquêter sur l’impossibilité médicale et une inquiétude croissante pour Anna elle-même. Au milieu des obstacles sous la forme de la famille profondément religieuse d’Anna et d’une communauté locale qui se méfie d’elle, la montre de Lib plonge dans une expérience tendue et terrifiante. Basé sur un livre du même nom d’Emma Donoghue, The Wonder est une pièce d’époque belle mais sombres qui explore les horreurs trop mortelles que le fervent religieux sans remise en question et les secrets familiaux peuvent provoquer.
RRR
Un des plus grands films de l’Inde de tous les temps, RRR (ou Rise, Roar, Revolt) redéfinit la notion de spectacle cinématographique. Situé en 1920, l’épopée historique suit les véritables révolutionnaires indiens Alluri Sitrama Raju (Ram Charan) et Komaram Bheem (N. T. Rama Rao Jr.) mais fictionalise leurs vies et actions. Bien qu’ils viennent de milieux très différents, leurs similitudes les rapprochent alors qu’ils affrontent le sadique gouverneur Scott Buxton (Ray Stevenson) et sa cruelle épouse, Catherine (Alison Doody). Pas simplement une légèreté d’époque, RRR est un morceau de cinématographie audacieux, excitant et souvent explosif qui élève ses héros à un statut presque mythologique. Le réalisateur S. S. Rajamouli déploie des scènes d’action brillamment filmées – et un numéro de danse superbement chorégraphié – qui captent l’attention des spectateurs et refusent de la lâcher. Que vous soyez un fan de cinéma indien de longue date ou que vous cherchiez simplement un film d’action au-delà de la norme hollywoodienne, RRR est à ne pas manquer.
I Lost My Body
Lauréat d’un prix à Cannes en 2019, ce conte d’amour jeune émergent, d’obsession et de membres autonomes est tout aussi étrange que vous pourriez vous y attendre pour un film d’animation pour adultes français. Le réalisateur Jérémy Clapin décrit la vie de Naoufel, un immigrant marocain vivant en France moderne qui tombe amoureux de la distante Gabrielle, et la main sectionnée de Naoufel, qui traverse la ville pour essayer de se reconnecter. Avec des lignes temporelles croisées et des discussions complexes sur le destin, I Lost My Body est souvent déroutant mais toujours captivant, et Clapin utilise une animation brillamment détaillée et des choix de couleurs phénoménaux tout au long. Il vaut la peine d’être regardé à la fois dans la version originale française et le solide doublage anglais comprenant Dev Patel et Alia Shawkat, celui-ci vous pousse à essayer de comprendre tout cela.
Don’t Look Up
Frustré par l’inaction collective du monde face à des menaces existentielles comme le changement climatique ? Peut-être ne pas regarder Don’t Look Up, la comédie noire satirique du réalisateur Adam McKay. Lorsque deux astronomes de bas niveau découvrent une comète capable de détruire la planète sur une trajectoire de collision avec la Terre, ils essaient d’alerter les autorités – seulement pour être accueillis par un collectif « bof ». Les choses ne font que s’empirer lorsqu’ils tentent de divulguer eux-mêmes la nouvelle et doivent naviguer entre des animateurs de télévision vides, des célébrités cherchant une cause phare, et un public indifférent. Un portrait sombrement comique de nos temps, renforcé par une distribution étoilée dirigée par Leonardo DiCaprio et Jennifer Lawrence, Don’t Look Up est, d’une manière un peu déprimante, l’un des meilleurs portraits de l’humanité depuis Idiocracy.
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