Le milliardaire Mark Cuban en a fini avec son émission de télévision à succès, mais il continue à investir dans la lutte contre les intermédiaires de l'industrie pharmaceutique, à être un père et à taquiner Elon Musk.
Nous avons atteint un point de basculement où nous disposons d'une alternative plus propre pour la plupart des transports. Nous devons maintenant nous engager.
Après avoir atteint un jalon en termes de production d'énergie, la technologie de fusion est prête à passer d'une expérience de laboratoire à petite échelle à une centrale électrique à grande échelle.
Le déploiement mondial de l'énergie solaire et éolienne, ainsi qu'une augmentation des ventes de véhicules électriques, signifient que les émissions provenant de l'énergie dérivée des combustibles fossiles vont enfin atteindre une pente descendante.
Un rondin de bois. C’est le dernier trophée individuel qu’aura soulevé Takayuki Suzuki. À Portland, quand les Timbers, pensionnaires de seconde division étatsunienne, marquent un but, la mascotte du club scie un morceau de tronc d’arbre pour l’offrir au buteur. C’était le 15 juin 2010, contre une équipe amateure, en coupe. Huit ans plus tôt, le 4 juin 2002, le Japon entre dans sa Coupe du monde, à domicile. Des avions de chasse survolent le Saitama Stadium pour inaugurer la rencontre contre la Belgique. Ça fait six ans que le pays attend ça, depuis sa désignation comme co-organisateur de la compétition avec la Corée du Sud. En tant que nation émergente du foot, cet événement est l’occasion pour le Japon de montrer aux yeux du monde de quoi il est capable. Suzuki, qui ne compte pourtant que deux saisons convenables derrière lui – à 26 ans (!) –, en plus de ne pas avoir marqué depuis six mois, est aligné d’entrée de jeu. C’est même lui qui donne le coup d’envoi. On arrive à l’heure de jeu quand, quelques secondes seulement après l’ouverture du score de Marc Wilmots, Shinji Ono adresse un long ballon vers l’avant. Derrière les deux centraux belges surgit Suzuki, à pleine balle, qui se couche, s’étire de tout son corps, pour tendre la jambe droite et pousser le cuir au fond des filets de De Vlieger. À l’école, les becs de ceux qui avaient osé me narguer en anticipant la victoire des Belges se clouent, et je jubile. Pour moi, c’est l’aboutissement de tant d’espoirs portés en l’équipe nationale japonaise, depuis un pays où je ne partage mon identité avec personne d’autre. Je me porte antagoniste à la Belgique, et le Japon ne se laissera pas battre par eux. J’ai l’impression d’avoir 23 camarades venus m’épauler…
TOKYO — Couvert d’ecchymoses et de brûlures, le corps sans vie de Takashi Saito repose, immobile, sur le sol de l’écurie de sumo qui l’a accueilli trois mois auparavant. Ce novice de 17 ans venait d’entrer dans le monde compétitif de cette discipline et s’entraînait avec d’autres apprentis. En ce jour d’été 2007, il s’est effondré à la suite de ce que l’Association japonaise de sumo, l’organisme de réglementation de ce sport, considère comme un accident. Ce n’en était pas un. Après une autopsie réclamée par le père de Saito, le médecin légiste révèle que le jeune lutter a été battu à mort. Un diagnostic éloigné du premier rapport rendu par la police qui concluait que le décès avait été causé par une maladie cardiaque, après un entraînement. Une enquête approfondie des autorités finira par dévoiler les méthodes du maître de l’écurie, Junichi Yamamoto, qui avait ordonné à trois autres lutteurs de frapper Saito pour le punir de ses mauvaises performances à l’entraînement. Des coups administrés à l’aide d’une batte en métal et d’une bouteille de bière qui ont mené le nouveau venu à sa mort. À l’époque, le crime avait ébranlé le Japon, où le sumo est né il y a des centaines d’années et continue d’être tenu en haute estime. Yamamoto avait été exclu de la discipline et condamné à six ans de prison. Après la mort de Saito, l’Association japonaise de sumo a découvert que l’acte n’était pas isolé et que plus de 90 % des écuries encourageaient les lutteurs à utiliser battes de baseball et objets contondants pour « éduquer » leurs coéquipiers. Et la violence ne s’arrêtait pas aux expéditions punitives. Malgré les promesses de l’Association de mettre fin aux pratiques abusives, le bizutage s’est poursuivi sans relâche derrière les portes closes des écuries de sumo, les plaintes…
Tokyo, 1985. Après avoir fait signer une décharge à son public afin de se dédouaner des éventuels dégâts matériels et humains qui vont suivre, Yamantaka Eye, le leader des fous furieux Hanatarash, débarque sur scène juché sur une gigantesque pelleteuse et détruit méthodiquement la salle de concert. Mais alors qu’il s’apprête nonchalamment à balancer un cocktail molotov sur les quelques décombres qui subsistent de la scène, il est fort heureusement stoppé dans son élan. Peu après cet évènement qui aurait pu virer au drame, les autorités japonaises vont prendre alors la mesure des évènements : Hanatarash est interdit de concert. Effectivement, on peut se dire a posteriori qu’il s’agissait, au bas mot, d’une sage décision : après avoir découpé un chat mort puis envoyé ce qu’il en restait dans le public, après avoir failli s’amputer accidentellement une jambe avec une scie électrique sur scène, ou encore avoir balancé dans la foule des bouts de verre et/ou de machinerie détruite sur scène, on peut raisonnablement dire qu’il était peut-être temps pour “Eye” (appelons le ainsi, l’homme ayant changé de patronyme autant de fois qu’il est permis d’en dénombrer) comme l’aurait dit sans doute plus simplement Jean-Pierre Bacri, d’y aller peut-être “un peu mollo sur le destroy”. L’art du bruit Il serait néanmoins un peu vain de résumer Hanatarash à ces seuls faits d’armes folkloriques et pittoresques. Car on ne comprendrait effectivement pas grand-chose à un tel déluge de chaos et de destruction si on ne se penchait pas un peu sur ce qui en découlait artistiquement. Si l’on considère quelques instants le creuset dans lequel se fond l’oeuvre performative (mais aussi discographique) d’Hanatarash, à savoir tout ce qui regroupe le vaste champ de ce qu’on appelle plus communément la noise, alors toutes leurs petites incartades permettent d’être remises un tant soit…
Au moment où j’ai quitté le bureau pour rejoindre Aili dans le centre ville de Bruxelles, je repensais aux entretiens musicaux que j’ai fait cette année, et je me disais que c’était la première fois que j’allais faire connaissance avec une artiste dont je ne connaissais quasi rien. J’avais juste écouté son EP. Cinq sons pour me convaincre qu’il y avait un truc à creuser, au-delà de sa musique entraînante et ses paroles non-assimilables (elle chante en japonais). Il n’aura fallu que quelques chansons sorties en 2021 pour qu’Aili et son binôme Transistorcake attirent un peu l’attention. Pour l’instant, le duo a plus posté de photos soignées et stylées qu’il n’a de pistes à faire tourner, mais le premier EP, Dansu, cumule déjà des centaines de milliers de streams. Les morceaux déchirent mais, surtout, rythment la plupart de mes après-midi, quand je fais semblant de bosser. Aili est née d’un père tokyoïte et d’une mère anversoise. Et vu qu’on n’avait jamais parlé de Japon à une musicos, ni de musique à une Belgo-japonaise, on l’a captée la veille de son concert à l’AB, dans le cadre de la soirée Braindance, pour faire connaissance autour d’un café. VICE : Yo Aili, tout roule pour toi ?Aili : Ça roule, je travaille beaucoup en ce moment. Ma matinée était plutôt bonne. En ce moment, je fais de l’intendance pour Volta tous les mardis jusqu’à 13 heures. Je suis juste là pour nettoyer, voir si tout le monde a ses affaires, si les musicien·nes vont bien. Une sorte de concierge, entourée de musique. C’est bonne ambiance. Donc t’as aussi le temps de te concentrer sur ton propre projet ?Ouais, vu que c’est seulement une fois par semaine, le reste du temps je retrouve Orson à Gand pour faire de la musique. À coups…
« Commençons », me dit Nobuhiko Ise en entamant un rythme rapide sur son taiko, un tambour japonais. Il m’explique que c’est pour appeler les kamis et ainsi marquer le début du rituel de prière Shinto, la religion indigène du Japon. Nous sommes assis tous les deux dans le Tsushima Inari Jinja, un sanctuaire comme il en existe beaucoup dans ce pays. Un shimenawa effiloché, la corde tressée distinctive utilisée pour délimiter les lieux saints shintoïstes, est suspendu au-dessus de l’entrée. À l’intérieur du sanctuaire, Ise, 91 ans, vêtu d’un chapeau traditionnel et d’une veste en soie colorée portée par-dessus une robe blanche, pose les baguettes du tambour et s’assoit sur un tatami face à l’autel. Il entame alors des chants : Sous le ciel céleste, que tous les gens, partout dans le monde, puissent trouver calme, paix, et vivre sans rencontrer malheur ni catastrophe… C’est le genre de prière que l’on peut entendre dans n’importe quel sanctuaire shintoïste, n’importe où au Japon. Mais ici, nous ne sommes pas n’importe où. Tsushima Inari Jinja se trouve dans une « hot zone », un endroit fortement contaminée par les retombées radioactives de la catastrophe qui a touché la centrale nucléaire de Fukushima en 2011. Ce sanctuaire, autrefois point d’ancrage spirituel de tout un village, fait aujourd’hui partie d’une ville fantôme. De temps à autre, celle-ci compte un habitant : Ise. L’homme y passe pour une courte durée, juste le temps d’accomplir ses fonctions. Il faudra ensuite revenir en terrain sûr à l’extérieur de la zone. « Je suis un prêtre shinto. Prendre soin du sanctuaire, le nettoyer et accomplir les rituels, c’est mon travail. C’est mon devoir de garder mon sanctuaire vivant. » Mais pourquoi un prêtre continue-t-il à s’occuper d’un sanctuaire où personne ne vient et où personne ne peut venir ? Lorsque je l’ai contacté pour…
Petite, j’étais fascinée par ces héroïnes en jupettes roses qu’on appelle les magical girls ; ces combattantes de la justice toujours prêtes à sauver le monde dans un tourbillon de paillettes multicolores. Tout en grignotant mon goûter, je regardais avec émerveillement ces séries aussi bien pour les combats extrêmement chorégraphiés contre des méchants aux looks improbables que pour les romances à l’eau de rose qui rythmaient systématiquement ces récits. Sailor Moon, Card Captor Sakura, Tokyo Mew Mew, Shugo Chara… ces premières combattantes de la pop culture représentaient pour moi quelque chose d’inédit : un délicieux mélange entre le girl power féministe et des clichés rétrogrades, enveloppé dans un confortable débordement de mignonnerie. Bien que les magical girls aient bercé mon enfance d’un déluge de strass, froufrous et autres rubans surannés, j’ai toujours été persuadé que cette histoire, c’était du passé ; qu’elles avaient eu leur heure de gloire dans les années 1990 et qu’il était temps de changer de disque. Pourtant, même trente ans après la sortie de son héroïne la plus iconique, Sailor Moon, je ne peux que constater à quel point leur popularité n’a pas pris une ride. Impossible de traîner dans une boutique spécialisée en culture japonaise ou même dans n’importe quel magasin de jouets sans tomber sur l’un des nombreux accessoires rendus célèbres par la série. Il n’y a qu’à faire un tour dans les rayons manga des librairies pour se rendre compte à quel point ces super nanas jouissent d’une popularité et d’une longévité inimitables. Que ce soit la réédition collector de Sailor Moon, les nouvelles aventures de Card Captor Sakura ou même le nouvel anime Tokyo Mew Mew, les magical girls ne sont clairement pas un héritage du passé et continuent de se vendre avec succès. « Ce n’est pas simplement un phénomène générationnel,…
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