Dans un coin sombre du Prado, non loin d’une crucifixion surdimensionnée et d’une sculpture d’un Christ mort, couché, avec des yeux en verre, des dents en ivoire et des ongles en corne, se trouve une autre représentation de Jésus qui est remarquable par sa poignance, son humanité et son histoire.
La petite scène en terre cuite peinte, intitulée Los primeros pasos de Jesús (Les Premiers Pas de Jésus), est domestique plutôt que divine et montre un chubby, un nourrisson rayonnant s’avançant vers son père tout aussi souriant. Son créateur était l’artiste baroque espagnol Luisa Roldán qui, bien qu’étant devenue la première femme sculptrice à la cour royale en 1692, fait seulement maintenant ses débuts dans le vénérable musée de Madrid.
Roldán est exposée aux côtés d’artistes tels qu’Alonso Berruguete et Gregorio Fernández dans le cadre d’une nouvelle exposition qui vise à sauver la sculpture polychrome – l’application experte de peinture colorée sur des statues – des siècles d’indifférence hautaine.
Roldán, connue sous le nom de La Roldana, était la fille d’un autre célèbre sculpteur baroque espagnol, Pedro Roldán. Ses talents et sa capacité à capter les humeurs et les émotions dans ses créations ont attiré l’œil de la cour royale et elle a servi Carlos II et Philippe V.
L’exposition, Main dans la Main : Sculpture et Couleur à l’Âge d’Or Espagnol, cherche à montrer que le canon artistique occidental a non seulement discriminé certains artistes en raison de leur géographie et de leur sexe, mais aussi en raison des matériaux qu’ils utilisaient.
“Pendant longtemps, les gens ont pensé que seules les sculptures en marbre et en bronze étaient de grands arts, et que les sculptures en bois ou en bois polychrome appartenaient à une catégorie inférieure,” a déclaré le directeur du Prado, Miguel Falomir. “C’est une vision très biaisée de l’art ancien, basée sur l’idée que les artistes classiques n’utilisaient que du marbre et du bronze et qu’ils n’utilisaient pas de couleur.”
À cette fin, l’exposition commence par une sculpture de Vénus du premier siècle après J.-C., trouvée dans une maison à Pompéi en 1873, qui porte encore des traces de sa peinture originale.
Selon le conservateur de l’exposition, Manuel Arias, les statues polychromes étaient destinées à être une sorte de théâtre visuel, tout comme leurs précurseurs classiques l’avaient été.
“Ces sculptures étaient censées persuader les gens – mais nous ne les avons pas inventées,” a-t-il déclaré. “Il s’agit de voir que tout cela fait partie d’une séquence qui a été interrompue pendant la Renaissance, lorsque les gens ont commencé à faire des découvertes archéologiques de sculptures qui avaient perdu leur polychromie et qui ont donné naissance à l’idée que les sculptures de l’antiquité étaient blanches.”
Arias, qui est le responsable du département de sculpture au Prado, a déclaré que les statues dévotionnelles étaient conçues pour surprendre et enchanter ceux qui les contemple.
Dans le cas du Christ allongé et torturé de Gregorio Fernández, les sentiments du spectateur auraient été la pitié, l’horreur et l’admiration. Mais la miniature de la Sainte Famille de Roldán est plus susceptible d’éveiller des élans de tendresse et de reconnaissance.
“Je pense que La Roldana était une grande sculptrice qui a pu transmettre des émotions à travers de petits objets,” a déclaré Arias. “Bien qu’elle ait réalisé des sculptures de différentes tailles, ces petites pièces reflètent vraiment son importance en tant que transmetteur d’un message très concret. C’est plus intime. C’est quelque chose de proche et cela montre son importance.”
Cette importance sera célébrée davantage plus tard ce mois-ci lorsque le Musée National de Sculpture à Valladolid ouvrira une exposition célébrant l’artiste, décédée en 1706. L’exposition, Luisa Roldán : Escultora Real, sera la première que le musée a dédiée à une sculptrice.
“Il y a un jeu de mots dans le titre,” dit le conservateur de l’exposition, Miguel Ángel Marcos. “Real en espagnol a deux significations – royal et réel. Donc, il joue sur le fait qu’elle était sculptrice pour le roi – ce qui était le plus grand honneur auquel un artiste pouvait aspirer durant le baroque espagnol – et le fait qu’elle était une véritable sculptrice dont l’importance a été entravée parce qu’elle était une femme.”
Pour Marcos – comme pour ses collègues du Prado – ce qui est remarquable chez La Roldana était son mélange d’habileté technique et d’humanité, un mélange qui transcende le dévouement simple.
“L’une des choses singulières de son style est le fait que beaucoup de ses figures sourient et parfois rient ouvertement,” a-t-il déclaré. “À l’époque, sourire n’était pas vraiment considéré comme une bonne chose, donc cela montre à quel point son style était singulier et indépendant. Il y a une touche très humaine.”
Cet article met en lumière l’importance de l’exposition “Main dans la Main” au Prado, qui célèbre la sculpture polychrome et l’œuvre de Luisa Roldán. C’est fascinant de voir comment cette exposition remet en question des idées préconçues sur l’art et valorise le talent des artistes souvent négligés, en particulier ceux de la période baroque espagnole. La finesse et l’humanité capturées dans les sculptures de Roldán témoignent d’une sensibilité unique qui mérite d’être redécouverte et appréciée. Bravo au Prado pour cette initiative éclairée !