Rien ne dit les vacances comme Franz Kafka, mort de la tuberculose en 1924, précisément lorsque la Morgan Library accueillait ses premiers visiteurs. L’association, un siècle plus tard, de l’auteur et du musée devrait ravir quiconque se soucie de la littérature, et même certaines personnes qui ne le font pas, à condition qu’elles soient fans d’Andy Warhol—il a inclus Kafka dans la sérigraphie “Dix portraits de Juifs du vingtième siècle.” Parmi les morceaux les plus juteux de “Franz Kafka” (22 nov.), en plus de cette œuvre de Warhol, figurent le manuscrit original de “La Métamorphose” et des montagnes de lettres, de photographies, de dessins et de journaux intimes.
Alors que les expositions du centenaire se poursuivent à la Morgan, la Dia Foundation célèbre encore cinquante ans respectables. Son emplacement à Chelsea clôt 2024 avec “Échos des Bordures” (11 déc.), une pièce sonore en quatre parties et vingt-quatre heures, créée par Valeria Luiselli, Ricardo Giraldo et Leo Heiblum, qui mélange des enregistrements de terrain dépouillés et les réponses imaginatives des artistes.
MOMA commence 2025 avec une sélection charismatique de meubles, de vêtements, de jeux et de gadgets, tous issus de la terre brumeuse connue sous le nom de “design.” S’il y a un thème directeur, c’est le pouvoir de ce genre d’art à modifier le monde de façons subtiles—pour rendre un ordinateur suffisamment facile à utiliser pour un enfant, par exemple, ou pour rendre le panneau “Accessible en fauteuil roulant” plus fièrement cinétique. Un bon design est discret, mais “Pirouette : Points de Tournant dans le Design” (26 janv.) prend certains des arts les plus insidieusement influents du siècle passé et leur donne une chance bienvenue de se manifester.
Si vous avez déjà regardé l’océan et vous êtes senti immense et microscopique en même temps, arrêtez-vous au Met pour plonger dans “Caspar David Friedrich : L’âme de la nature” (8 févr.), en occasion du deux cent cinquantième anniversaire de la naissance du grand peintre romantique allemand. Vous devez probablement le connaître, même si vous ne reconnaissez pas son nom, pour “Le Voyageur au-dessus de la mer de brume” de 1818, mais son banc est profond—les profondeurs, géographiques et autres, étant pour Friedrich ce que les pommes étaient pour Cézanne.
Après une année de succès, le Musée d’Art Folk Américain accueille la troisième et dernière partie de son exposition “Quelque Part pour Se Percher” (12 févr.), une exploration caractéristique et concise des thèmes de la maison et de l’appartenance. Le nom vient du titre d’une œuvre de technique mixte, par Thornton Dial, Sr., qui réunit une soixantaine d’œuvres d’art assemblées pour l’occasion.
L’histoire de Pourim faisait partie des rares célébrations des Juifs et des chrétiens de la Hollande du dix-septième siècle, et la lumineuse “Une héroïne juive de la Bible hébraïque” de Rembrandt—probablement son imagination du protagoniste de l’histoire, la reine Esther—est le tronc solide d’un spectacle au Musée Juif. Le tableau partage l’espace mural avec des dessins, des estampes et de l’art cérémoniel pour “Le Livre d’Esther à l’époque de Rembrandt” (7 mars), une splendide façon de célébrer le pluralisme démocratique dans sa meilleure forme, ou simplement de dire déjà adieu à l’hiver.—Jackson Arn
Danse
Camille A. Brown, Kyle Abraham, Maria Tallchief
La Drill Hall majestueuse de l’Armory de Park Avenue a tendance à insuffler tout ce qui s’y passe d’une aura de grandiosité. Et pourtant, Kyle Abraham a choisi le thème le plus intime—la tristesse qui accompagne le passage du temps, la sensation d’être vivant dans ce monde—pour son nouveau travail, “Cher Seigneur, rends-moi belle,” qui sera présenté là du 3 au 14 décembre. Avec le langage physique soyeux d’Abraham, la nouvelle pièce est construite sur le contraste entre le mouvement en couches des groupes et l’isolement de l’individu—comme dans un solo pour Abraham—le tout baigné dans des visuels immersifs de l’artiste Cao Yuxi.
Un solo, dansé certains soirs par la chorégraphe elle-même, est également au cœur de “I Am,” la plus récente œuvre de Camille A. Brown, qui arrive au Joyce du 5 au 9 février. L’influence de Brown peut maintenant être vue partout, de Broadway (où elle a créé les danses pour “Hell’s Kitchen,” parmi d’autres spectacles) à l’opéra, mais la racine de son approche du théâtre—qui est explosive, polyrhythmique, honnête—se fait sentir le plus clairement dans les danses qu’elle crée pour elle-même et ses propres danseurs-collaborateurs triés sur le volet. Ici, elle explore une idée tirée de la série HBO “Lovecraft Country” : un personnage qui peut être tout ce qu’elle imagine être.
Alors que les résonances culturelles d’Alvin Ailey reçoivent leur dû à l’exposition “Les Bords d’Ailey” du Whitney Museum (jusqu’au 9 février), la compagnie qu’il a fondée, en 1958, s’oriente vers l’idée de mouvement vers l’avant. La saison de Alvin Ailey American Dance Theatre au City Center (4 déc.-5 janv.) introduit une foule de nouvelles œuvres, dont trois par d’anciens danseurs d’Ailey. “Chants sacrés” de Matthew Rushing est basé sur neuf spirituels qu’Ailey avait retirés de son grand “Révélations” après sa première. Hope Boykin utilise son style de mouvement large de cœur, dans son “Finding Free” influencé par le jazz, pour explorer le thème de la liberté individuelle. Et, dans “Al-Andalus Blues” de Jamar Roberts, les danseurs font une excursion musicale en Espagne mauresque, sur les ailes de l’adaptation par Miles Davis du “Concierto de Aranjuez” et de l’interprétation du poème “Angelitos Negros” par Roberta Flack.
La saison d’hiver du New York City Ballet (au David H. Koch Theatre, du 21 janvier au 2 mars) apporte de nouvelles œuvres de deux artistes en résidence, Justin Peck et Alexei Ratmansky, chacune reflétant le caractère de son créateur. Peck, qui a montré un talent pour canaliser une sorte d’énergie brute millénaire, utilisera le son très électronique de Dan Deacon ; Ratmansky s’inspire du ballet du dix-neuvième siècle “Paquita,” à partir duquel il façonnera une suite de danses conçues pour défier la technique classique des interprètes. Et le brillant “Sylvia Pas de Deux” de Balanchine (sur de la musique de Delibes) revient, pour la première fois depuis 1994, dans le cadre d’un programme d’œuvres à l’origine chorégraphiées pour la ballerine d’origine Osage Maria Tallchief, l’une des premières stars de la compagnie.—Marina Harss
Musique Classique
Angel Blue, Barbara Hannigan, Tallis Scholars
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p class=”paywall”>S’il y a une chose sur laquelle vous pouvez compter pour entendre pendant les vacances—même si elle a été écrite pour Pâques—c’est le “Messie” de Handel, qui tombe en flocons tout au long de décembre. Les interprètes incluent les chœurs de St. Thomas Fifth Avenue (avec New York Baroque Incorporated, 10 et 12 déc.) et Trinity Church (dirigé par Jane Glover, 11-13 déc.) ; Musica Sacra avec le New York Philharmonic (David Geffen Hall ; 11-14 déc.) ; le Masterwork Chorus and Orchestra (Carnegie Hall ; 19 déc.) ; la Oratorio Society (Carnegie Hall ; 23 déc.) ; et Grace Chorale et le Brooklyn Chamber Orchestra (Église St. Ann, Brooklyn ; 22 déc.).
