En 2017, Hulu a marqué l’histoire de la télévision en devenant le premier réseau de streaming à remporter l’Emmy Award de la meilleure série dramatique, grâce au phénomène qu’était The Handmaid’s Tale.
Alors que Netflix a largement conquis le marché du streaming avec ses films originaux — et a même réussi à convaincre des stars comme Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón, et Martin Scorsese de participer — Hulu commence à trouver ses marques en matière de longs-métrages aussi. Voici quelques-unes de nos meilleures sélections pour les meilleurs films (originaux et autres) en streaming sur Hulu en ce moment.
Vous cherchez encore plus de titres intéressants à ajouter à votre liste ? Consultez les guides de WIRED sur les meilleures séries télévisées sur Hulu, les meilleurs films sur Netflix, les meilleurs films sur Disney+, et les meilleurs films sur Amazon Prime. Vous n’aimez pas nos choix, ou souhaitez-vous proposer vos propres suggestions ? Rendez-vous dans les commentaires ci-dessous.
Ad Astra
À une date non précisée dans un avenir proche, le major Roy McBride (Brad Pitt) de l’US Space Command apprend que de mystérieux pics de puissance provenant d’une ancienne station spatiale constituent une menace pour la Terre. Lorsqu’il découvre que l’activité peut être tracée jusqu’au Projet Lima — une recherche de vie extraterrestre dirigée par son père, H. Clifford McBride (Tommy Lee Jones), qui a été perdu dans l’espace pendant 30 ans — Roy s’engage dans l’inconnu. Lorsque le co-scénariste/réalisateur James Gray a annoncé le projet, il a déclaré très audacieusement qu’il espérait créer “la représentation la plus réaliste du voyage spatial jamais mise à l’écran.” A-t-il réussi ? Regardez et tirez vos propres conclusions.
La La Land
La La Land est la comédie musicale qui a célèbrement remporté, puis perdu, l’Oscar du meilleur film lors de la 89e cérémonie des Oscars. (Le prix était destiné à Moonlight, et l’erreur a rapidement été corrigée — et de manière mémorable — au milieu des discours d’acceptation.) Rien de tout cela ne diminue les six Oscars que le film a réellement remportés, y compris celui du meilleur réalisateur pour Damien Chazelle et celui de la meilleure actrice dans un second rôle pour Emma Stone. Cela n’enlève rien non plus au spectacle éblouissant du film, avec ses couleurs vives, sa musique entraînante et ses séquences de danse oniriques, alors qu’une actrice en herbe (Stone) et un musicien de jazz à l’ancienne (Ryan Gosling) se rencontrent et tombent amoureux, puis tentent de faire face aux défis de toute relation amoureuse.
Late Night With the Devil
Dans les années 1970, Jack Delroy (David Dastmalchian) est un animateur de talk-show nocturne qui court constamment après les audiences de Johnny Carson mais ne peut tout simplement pas rivaliser. Il obtient les meilleures audiences de sa carrière lorsqu’il s’assoit pour une interview avec sa femme bien-aimée, Madeleine (Georgina Haig), qui est en train de mourir du cancer. Lorsqu’elle décède peu après, Jack interrompt complètement la production de son émission. Lorsqu’il est finalement prêt à revenir au travail, il est encore plus déterminé à rivaliser avec Carson, alors il décide d’organiser un spectacle d’Halloween sur le thème du rite occulte, avec un médium (Fayssal Bazzi), une parapsychologue (Laura Gordon) et une adolescente possédée (Ingrid Torelli) qui semble en savoir plus sur la relation entre Jack et Madeleine qu’il ne l’avait prévu. De nombreux critiques ont qualifié Late Night With the Devil de meilleur film d’horreur de l’année — et avec raison.
Babes
Le premier film de Pamela Adlon en tant que réalisatrice fait pour la maternité ce que Bridesmaids a fait pour le mariage. Les New-Yorkaises Eden (Ilana Glazer) et Dawn (Michelle Buteau) sont des amies de longue date ayant des décennies d’histoire et des traditions, mais se retrouvent maintenant face à des chapitres très différents de leur vie. Dawn, qui lutte contre une dépression post-partum, essaie de concilier les exigences d’être une mère travailleuse et partenaire pour son mari, tandis qu’Eden n’a jamais été accablée par de telles exigences. Mais lorsqu’elle découvre qu’elle est enceinte après une aventure d’un soir et décide qu’elle est prête à être une mère célibataire, leur amitié commence à se fracturer de manière qu’elles n’auraient jamais imaginée. La chimie entre Glazer et Buteau en tant que BFFs est indéniable dans cette comédie franche qui n’est pas toujours jolie, en partie à cause de son honnêteté brutale.
The First Omen
Fidèle à son titre, le sixième film de la franchise The Omen est une préquelle au classique d’horreur de 1976 qui l’a engendré. Si vous n’étiez pas au courant qu’il y avait une demi-douzaine de films dans cette série, il y a une raison à cela : à l’exception de l’original réalisé par Richard Donner, ils ne sont tout simplement pas très bons. Mais près de 50 ans plus tard, The First Omen a redonné vie à cette prémisse apparemment fatiguée. Nous sommes en 1971, et Margaret (Nell Tiger Free), une jeune noviciate américaine, se rend à Rome pour travailler dans un orphelinat. Elle tisse rapidement un lien avec Carlita (Nicole Sorace), l’une des anciennes pensionnaires, qui est tourmentée par de terribles visions. Malgré les avertissements du prêtre en chef (Ralph Ineson) que “des choses maléfiques” se produiront si elle interagit avec Carlita, Margaret est convaincue qu’elle peut aider la jeune fille. Si vous savez quoi que ce soit sur les films The Omen, vous savez probablement où cela mène : des enfants sataniques portant la marque du diable (666) abondent. Bien que quelque peu prévisible, le film est bien joué et bien fait — et pourrait très bien engendrer d’autres suites.
Kinds of Kindness
À peine trois mois après que Poor Things a remporté quatre Oscars, Yorgos Lanthimos a rassemblé une grande partie de l’équipe — y compris Emma Stone, Willem Dafoe et Margaret Qualley — pour Kinds of Kindness, qui a été présenté au festival de Cannes. Contrairement à ses œuvres précédentes, celui-ci est un film anthologique, ou ce qui a été commercialisé comme une “fable triptyque.” Tout comme les autres films du scénariste-réalisateur, il naît d’un lieu de comédie absurde et de performances exagérées de ses stars. Cultes sexuels, réanimation, sandwichs, patrons assoiffés de meurtre et la raquette de tennis brisée de John McEnroe jouent tous un rôle dans ces festivités folles et amusantes.
Little Women
Greta Gerwig n’est pas du tout (pas du tout) la première scénariste-réalisatrice à adapter Little Women de Louisa May Alcott pour le grand écran. Et elle n’est certainement pas la première à le faire avec brio. (La version de 1994 réalisée par Gillian Armstrong avec Winona Ryder et Christian Bale est toujours une interprétation très appréciée.) Pourtant, Gerwig a réussi à rendre ce conte du 19e siècle pratiquement moderne et différent de tous les autres, avec des décisions apparemment mineures comme jouer avec les timelines du roman. Il n’est pas non plus négligeable qu’il arrive à mettre en vedette certains des acteurs les plus impressionnants d’aujourd’hui, dont Saoirse Ronan, Timothée Chalamet, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, James Norton, Laura Dern, Chris Cooper, Tracy Letts, Meryl Streep et Bob Odenkirk.
Immaculate
Sydney Sweeney a produit ce film d’horreur religieux et joue également le rôle de Cécilia, une jeune religieuse (oui, vous avez bien lu) dont la rencontre traumatisante avec la mort l’a convaincue que Dieu l’a sauvée pour un but supérieur. Lorsqu’elle est invitée à rejoindre un couvent dans la campagne italienne reculée qui aide les anciennes religieuses en fin de vie, elle accepte avec joie — puis réalise rapidement que tout peut ne pas être ce qu’il semble.
Ferrari
Enzo Ferrari (Adam Driver) est un homme qui devrait tout avoir : l’ancien pilote de course et fondateur de la société Ferrari déborde de charme, de richesse et d’excitation. Mais en coulisses, les murs se resserrent autour de lui. Situé durant l’été 1957, le biopic de Michael Mann trouve Ferrari (l’homme) au bord de la faillite, pleurant la mort de son fils et essayant désespérément de cacher ses anciennes indiscrétions à son épouse séparée — qui a aidé à bâtir l’entreprise automobile et qui détient la clé de son avenir financier. Bien que le film ait reçu des critiques mitigées, il réussit à raconter l’histoire complexe d’un homme compliqué. Mais son atout le plus marquant est la performance éblouissante de Penélope Cruz.
Perfect Days
Près de 60 ans après le début de sa carrière de cinéaste, Wim Wenders a réussi à réaliser l’un de ses meilleurs films avec Perfect Days — ce qui est beaucoup dire quand on considère que ce même réalisateur a réalisé Paris, Texas (1984) et Wings of Desire (1987). Hirayama (Kōji Yakusho) est un nettoyeur de toilettes à Tokyo qui est pleinement satisfait de la simplicité de sa vie, car cela lui permet de se consacrer à ses passions plus personnelles : la musique (il est un collectionneur fervent de cassettes audio et laisse sa musique préférée composer la bande-son de sa vie), les livres et la nature. Le film n’est pas ponctué d’intrigues dramatiques excessives ; seulement les interactions silencieuses qu’Hirayama a avec ceux qui l’entourent — famille, collègues, inconnus — et la manière dont ces intermèdes l’impactent. C’est cette simplicité poétique, et la merveilleuse performance de Yakusho, qui donne au film son cœur.
Origin
La scénariste-réalisatrice Ava DuVernay trouve une manière de changer encore une fois le langage du cinéma avec ce qui est à la fois un biopic et un document historique. Le film est basé sur la vie d’Isabel Wilkerson (Aunjanue Ellis-Taylor), la première femme noire à remporter le prix Pulitzer de journalisme pour son travail au The New York Times. Il suit le parcours de Wilkerson pour écrire son livre de 2020 Caste: The Origins of Our Discontents — un projet qui l’a menée des États-Unis à l’Allemagne puis en Inde pour étudier l’histoire troublante des systèmes de castes de chaque pays et les parallèles existant entre eux.
Fight Club
Un employé de bureau (Edward Norton) amateur de shopping par catalogue et de groupes d’auto-assistance rencontre un fabricant de savon rebelle (Brad Pitt) lors d’un vol. Il ne semble pas pouvoir se débarrasser de lui. Mais il ne semble pas vraiment vouloir, surtout lorsqu’ils réalisent que se battre est un excellent moyen de relâcher le stress de la vie quotidienne. Bientôt, ils ont assemblé une armée de membres du Fight Club prêts à défier le monde. Cela fait 25 ans que l’adaptation de David Fincher du roman à succès de Chuck Palahniuk a bouleversé une génération de cinéphiles, et bien que le film ait été un peu un échec à sa sortie en salles, il a depuis acquis un immense culte — et a même engendré de véritables Fight Clubs.
The Contestant
Le 11 janvier 1998, le comédien de 22 ans Tomoaki Hamatsu est entré dans un appartement au Japon où il a vécu, nu et sans contact humain, pendant 15 mois dans le cadre d’un jeu télévisé compréhensiblement controversé intitulé Susunu! Denpa Shōnen. Hamatsu n’avait aucune idée que sa vie était diffusée. Ce documentaire captivant explore non seulement comment quelqu’un a pu autoriser cette expérience, mais les véritables effets — culturels, psychologiques, et autres — qu’elle a eu sur Hamatsu ainsi que sur les dizaines de millions de téléspectateurs qui ont été attirés par son abus devant la caméra.
Anatomy of a Fall
Entre ses rôles principaux dans The Zone of Interest et Anatomy of a Fall, l’actrice allemande Sandra Hüller a clairement montré qu’en matière de scénarios, elle sait les choisir. Dans ce captivant drame judiciaire, Hüller joue une écrivaine à succès devenue suspecte de meurtre lorsque son mari (Samuel Theis) est retrouvé mort devant leur maison par une journée enneigée. En fin de compte, ce pourrait être son fils (Milo Machado-Graner) et/ou son chien d’assistance (Messi, la véritable star du film) qui scelleront finalement le destin de Sandra. C’est un mystère intelligent, plein de rebondissements, et bien joué qui vous tiendra en haleine.
Poor Things
Bella Baxter (Emma Stone) est une jeune femme dotée du cerveau d’un bébé, qui est ramenée à la vie par le sympathique scientifique fou Dr. Godwin Baxter, alias Dieu (Willem Dafoe). Mais Bella apprend vite et est intriguée par les nombreuses aventures que le monde a à lui offrir — peu importe ce que dicte la société polie. Mark Ruffalo, Ramy Youssef et Christopher Abbott figurent parmi les hommes qui sont captivés par la franchise de Bella (“Je dois aller frapper ce bébé”) dans ce qui est sans aucun doute le titre le plus extravagant de la filmographie de Yorgos Lanthimos — ce qui en dit long. Une mise en garde : ceux qui sont facilement offensés par la nudité ou le sexe graphique pourraient vouloir passer leur chemin.
BlackBerry
It’s Always Sunny in Philadelphia’s Glenn Howerton est pratiquement méconnaissable dans ce récit extrêmement divertissant de l’ascension et de la chute de BlackBerry — le téléphone portable incontournable qui a passionné le monde avant l’arrivée de l’iPhone. Howerton joue le rôle de Jim Balsillie, le négociateur très réel qui, aux côtés de Mike Lazaridis (Jay Baruchel), a donné au monde son premier smartphone. Ce qui est bien plus dramatique (et sombrement humoristique) que cela en a l’air.
The Royal Hotel
Ozark star Julia Garner retrouve le réalisateur Kitty Green (The Assistant) pour ce thriller psychologique tendu dans lequel les BFFs Hanna (Garner) et Liv (Jessica Henwick) décident de faire du backpacking à travers l’Outback australien. Lorsqu’on leur propose de vivre et de travailler dans un hôtel éloigné afin de renflouer leurs comptes en banque en déclin, elles sautent sur l’occasion — malgré le sentiment de Hanna que quelque chose ne va pas avec leur lieu de travail ou sa clientèle. Elle est sur la bonne voie. Garner a joué un personnage badass après l’autre, et The Royal Hotel n’est pas une exception.
All of Us Strangers
Adam (l’incroyable Andrew Scott) est un scénariste de télévision qui reste largement à l’écart, jusqu’à ce qu’une rencontre maladroite avec son voisin ivre Harry (Paul Mescal) lance une nouvelle relation passionnée. Mais lorsque Adam n’est pas à Londres avec Harry, il retourne chez lui dans la banlieue où il a grandi — et où il rencontre et peut interagir avec ses parents (Claire Foy et Jamie Bell), bien qu’ils soient décédés depuis 30 ans. Entre les mains d’un réalisateur moins talentueux, les éléments fantastiques pourraient sembler forcés. Mais avec Andrew Haigh (Weekend, 45 Years) derrière la caméra, ce contexte surréaliste ne fait qu’augmenter l’émotion.
The Creator
Le réalisateur Gareth Edwards (Rogue One) imagine un avenir pas trop lointain dans lequel la race humaine est en guerre avec l’IA — ce qui semble tout à fait sous nos yeux pour certains. John David Washington (Tenet star/fils de Denzel) est le meilleur espoir du monde pour mettre fin à cette bataille une fois pour toutes lorsqu’il est chargé de retrouver le créateur éponyme, l’architecte derrière la technologie qui a provoqué ce bouleversement mondial. Bien qu’il y ait quelques trous d’intrigue indéniables, les décors stellaires et le talent d’acteur de premier ordre du film nominé aux Oscars en font un incontournable pour les fans de science-fiction.
Self Reliance
New Girl’s Jake Johnson fait ses débuts en tant que réalisateur avec cette comédie méta merveilleusement étrange et parfois sombre, qu’il a également écrite et dans laquelle il joue. Tommy Walcott (Johnson) mène une existence plutôt ordinaire jusqu’à ce qu’il soit approché par Andy Samberg (dans son propre rôle), qui lui propose une chance inouïe : la possibilité de gagner 1 million de dollars dans le cadre d’une immense compétition de télé-réalité. La seule chose que Tommy doit faire est de ne pas être tué pendant 30 jours, malgré le fait d’être traqué par des dizaines de tueurs à gages dont le travail est de s’assurer qu’aucun candidat ne repart avec le gros lot. Le piège ? Les candidats ne peuvent être tués que lorsqu’ils sont complètement seuls. Tommy décide donc de s’associer à un autre candidat, c’est là que Maddy (Anna Kendrick) entre en jeu. Comme ils peuvent gagner tous les deux un million de dollars et ont beaucoup à perdre (c’est-à-dire leur vie) s’ils ne triomphent pas, ils font un pacte pour passer chaque moment éveillé des 30 prochains jours ensemble. Juste au moment où vous pensez savoir où Self Reliance va, il vous surprend — et dans les meilleures manières possibles.
No One Will Save You
Les thrillers d’invasion de domicile ne sont jamais en manque, mais les vraiment efficaces sont difficiles à trouver. Kaitlyn Dever brille — et prouve encore une fois qu’elle est capable de porter tout un film — en tant que Brynn Adams, une couturière menant une existence solitaire dans sa maison d’enfance et pleurant la perte de sa mère et de son ami le plus proche. Lorsqu’elle se réveille une nuit pour découvrir que quelqu’un est chez elle, ce quelqu’un s’avère être quelque chose. Un thriller d’invasion de domicile avec des extraterrestres n’était peut-être pas sur votre carte Bingo des incontournables, mais No One Will Save You est 93 minutes bien dépensées.
Miguel Wants to Fight
Miguel (Tyler Dean Flores) a 17 ans et n’a jamais été impliqué dans un combat. Alors, lorsqu’il apprend qu’il va déménager de l’endroit et des personnes qu’il a connus toute sa vie, il demande à ses amis de l’aider à se battre pour la première fois. Ce n’est probablement pas le premier rituel de passage qui vient à l’esprit, mais c’est certainement parmi eux. Une distribution talentueuse de jeunes acteurs rend cette comédie — coécrite par Shea Serrano et Jason Concepcion — immensément regardable.
Sanctuary
Hal Porterfield (Christopher Abbott) vient de recevoir les clés du château après la mort de son père magnat de l’hôtellerie. Rebecca Marin (Margaret Qualley) est une dominatrice qui croit mériter une partie du crédit — et la moitié de la caisse — qui accompagne la nouvelle position de PDG de Hal. La politique sexuelle n’a que rarement été aussi tordue, ou aussi noirément drôle, que dans ce thriller fascinant, et souvent claustrophobique, de Zachary Wigon.
Corsage
Vicky Krieps livre encore une fois une performance exceptionnelle en tant qu’impératrice Élisabeth d’Autriche, qui, après son 40ème anniversaire, désire retrouver la liberté de sa jeunesse. Marie Kreutzer écrit et réalise ce biopic fictif (l’impératrice Élisabeth a réellement existé, bien que l’histoire racontée prenne beaucoup de libertés créatives), qui montre la royale se rebellant contre son manque de pouvoir d’effectuer un véritable changement, malgré son titre. Plus encore, il s’agit d’une femme qui désespère de conserver le pouvoir que la jeunesse et la beauté lui confèrent — peu importe les conséquences.
How to Blow Up a Pipeline
L’écologie rencontre le film de braquage dans le thriller du réalisateur Daniel Goldhaber sur un groupe de jeunes qui essaient de — comme le titre l’implique — exposer la fragilité de l’industrie pétrolière. Ce n’est pas souvent qu’un film examinant la lutte contre la crise climatique est aussi une aventure palpitante, mais ici, ces éléments s’allient magnifiquement. (Vous pouvez donner un peu de crédit au directeur de la photographie Tehillah de Castro pour cela.) Intelligent, prédictif et presque sans précédent, How to Blow Up a Pipeline mérite d’être vu.
Alien
Alien est sorti pour la première fois en 1979, mais il n’a pas perdu sa puissance au fil des ans — ce qui n’est pas quelque chose que la plupart des quadragénaires pourraient dire. À ce stade, vous connaissez probablement l’histoire : L’équipage du vaisseau spatial Nostromo, y compris l’officier de sécurité Ellen Ripley (Sigourney Weaver), met un temps inconsidéré à prendre un léger détour pour répondre à un appel de détresse d’une planète proche. Mais ce qu’ils découvrent est une forme de vie alien bizarre qui semble se délecter de l’élimination des membres de l’équipage de manière nouvelle — et fréquemment terrifiante. Pouvez-vous dire Facehugger ? Ou Chestburster ? Alien est également remarquable pour être le film qui a lancé une véritable franchise de science-fiction/horreur légendaire — et a introduit le monde à Ridley Scott, qui a encore une fois révolutionné le genre avec son prochain long-métrage, Blade Runner.
Rye Lane
Raine Allen-Miller a fait sensation à Sundance en 2023 avec son premier film, qui offre une tournure ludique sur la typique comédie romantique. Yas (Vivian Oparah) et Dom (David Jonsson) sont tous deux trentenaires en proie à des ruptures récentes. Après une rencontre fortuite — et plutôt maladroite —, le duo passe une journée à déambuler dans le sud de Londres, se liant par leur expérience commune, trouvant des moyens impertinents de surmonter le chagrin de leurs relations précédentes, et découvrant peut-être que la romance n’est pas morte après tout.
Triangle of Sadness
Pensez à cela comme Gilligan’s Island, mais avec plus de commentaires de classe et de vomi. Lorsque des gens riches partent en mer sur un yacht de luxe, leurs plans sont contrecarrés lorsqu’une terrible tempête laisse beaucoup d’eux échoués sur une plage où ni leur argent ni leur pouvoir ne peuvent les aider à survivre. Cela en dit déjà trop, mais disons simplement que si vous aimez les critiques à la The Menu sur les excès de la richesse avec tout autant de rebondissements en comédie noire, ce film nominé aux Oscars est fait pour vous.
Portrait of a Lady on Fire
D’accord, donc cela pourrait être le film qui a transformé l’idée de “drame historique lesbien” en un trope, mais c’est aussi l’un des meilleurs films modernes de romance queer, aux côtés de Moonlight et Carol. Situé sur une côte française isolée à la fin des années 1700, le film de la scénariste-réalisatrice Céline Sciamma se concentre sur une jeune aristocrate, Héloïse (Adèle Haenel), qui est promise à un riche Milanais. Lorsque la mère d’Héloïse engage Marianne (Noémie Merlant) pour peindre le portrait de sa fille, les deux femmes tombent amoureuses et ont l’affaire déchirante qui a rendu les drames historiques lesbiens si indéniables en premier lieu. Vous serez captivé.
Nomadland
Ce film du réalisateur Chloé Zhao, sur la quête d’une femme après la Grande Récession à travers l’Ouest américain, a remporté de nombreux Oscars, y compris celui du meilleur film, de la meilleure actrice pour la lead Frances McDormand, et les Oscars du meilleur réalisateur et du meilleur montage pour Zhao. Zhao a également remporté le prix pour le meilleur scénario adapté pour son adaptation du livre de la contributrice de WIRED, Jessica Bruder, également intitulé Nomadland. C’est un regard saisissant sur le rêve américain moderne.
Fresh
Noa (Daisy Edgar-Jones) est une femme célibataire à la recherche d’un partenaire mais fatiguée de la scène de rencontres en ligne. Lorsqu’elle rencontre Steve (Sebastian Stan), un étrange et séduisant inconnu, elle décide de lui donner son numéro. Les deux s’entendent bien lors du premier rendez-vous et finissent par planifier un week-end ensemble — c’est alors que Noa réalise que Steve a caché quelques détails troublants sur lui-même. En fin de compte, Fresh se présente comme une leçon sur les horreurs du rendez-vous à l’ère numérique (réelles ou imaginées).
Palm Springs
Étant donné l’existence de Groundhog Day de Harold Ramis, il faut un sacré culot à un cinéaste d’ajouter un autre film au canon de la comédie romantique en boucle temporelle infinie. Mais le scénariste-réalisateur Max Barbakow l’a fait quand même avec Palm Springs, et le public lui en est reconnaissant. En s’appuyant sur les règles initialement établies dans Groundhog Day, Palm Springs offre sa propre tournure unique à l’histoire. Au lieu de montrer une personne (Phil Conners interprété par Bill Murray) poussée lentement à la folie parce qu’il est le seul à sembler expérimenter le phénomène, Palm Springs a trois invités à un mariage — Nyles (Andy Samberg), Sarah (Cristin Milioti) et Roy (J. K. Simmons) — vivant la même journée encore et encore et travaillant ensemble pour trouver un moyen d’en sortir.
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