Netflix propose une multitude de films à regarder, mais l'offre est très variée. Trouver le bon film au bon moment peut parfois sembler une tâche impossible. Ne vous inquiétez pas, nous sommes là pour vous aider. Vous trouverez ci-dessous une liste de certains de nos films préférés actuellement disponibles sur le service de streaming, des drames aux comédies en passant par les thrillers.
Si vous préférez la télévision, consultez notre sélection des meilleures séries télévisées sur Netflix. Vous en voulez plus ? Consultez nos listes des meilleurs films de science-fiction, des meilleurs films sur Amazon Prime et des meilleurs films sur Disney+.
C'est ce qu'il y a à l'intérieur
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p class= »paywall »> Neuf amis d'université se réunissent pour un enterrement de vie de garçon. Que pourrait-il se passer de mal ? Beaucoup de choses, quand l'un des jeux de société implique un appareil expérimental d'échange d'esprit. Alors que les participants jouent au jeu ultime de la mafia, en essayant de deviner qui habite le corps de qui, les relations se détériorent et leur sens même de soi s'érode. Alors que les corps commencent à tomber, vous pourriez commencer à vous sentir vous-même comme un joueur, sans savoir si quelqu'un est digne de confiance. Avec un casting jeune et talentueux qui maîtrise les performances à plusieurs niveaux de chacun alors qu'ils sautent d'un corps à l'autre, ce thriller indépendant frais du scénariste et réalisateur Greg Jardin équilibre magistralement l'humour noir avec des rebondissements encore plus sombres.
Wendell et Wild
Kat a déraillé après la mort de ses parents il y a cinq ans. Elle a maintenant une dernière chance de remettre sa vie sur les rails dans une nouvelle école et de vaincre enfin ses démons personnels. Malheureusement, elle est marquée comme une Hell Maiden dès son premier jour, attirant l'attention des vrais frères démons Wendell et Wild (doublés respectivement par Keegan-Michael Key et Jordan Peele). Tentée par la promesse des frères et sœurs comploteurs de ressusciter ses parents si elle les convoque dans le monde des vivants – où ils prévoient de surpasser leur père infernal à son propre jeu – Kat (Lyric Ross) est entraînée dans un complot macabre qui menace les vivants comme les morts. Réalisé par Henry Selick ( L'Étrange Noël de Monsieur Jack, Coraline ) et produit par Peele ( Nope, Get Out ), c'est une autre entrée fantastique dans le canon des chefs-d'œuvre en stop-motion sombres et envoûtants de Selick.
Will et Harper
Will Ferrell n’a probablement pas besoin d’être présenté, mais en tant qu’ancien scénariste en chef de Saturday Night Live , Harper Steele est plus habituée à la vie derrière la caméra. Ayant rejoint l’émission à succès la même semaine en 1995, les deux hommes ont noué une amitié de plusieurs décennies. Ainsi, lorsque Harper a écrit à Ferrell pour lui dire qu’elle était en train de changer pour vivre en tant que femme, ce fut un grand changement pour eux deux. Cela a également servi de base à ce magnifique documentaire de voyage en voiture, réconfortant et souvent hilarant, qui suit le duo alors qu’ils traversent les États-Unis dans une vieille Jeep Grand Wagoneer, renouant et découvrant à quoi ressemble leur amitié aujourd’hui. C’est parfois gênant à regarder – certaines des questions de Ferrell brouillent la frontière entre l’obscénité et la simple grossièreté – mais c’est un voyage brut et authentique pour eux deux. Au-delà des touches personnelles, Will & Harper est un aperçu opportun de ce à quoi ressemble l’Amérique pour une personne trans en ce moment, ce qui en fait probablement l’un des documentaires les plus importants produits par Netflix.
Ses trois filles
Alors que leur père approche de la fin de sa vie, les sœurs Rachel (Natasha Lyonne), Katie (Carrie Coon) et Christina (Elizabeth Olsen) sont obligées de se reconnecter en attendant l'inévitable. Des choses sombres, mais aussi des motifs de performances magistrales pour le trio principal, avec Rachel qui a assumé la majeure partie des soins pendant des mois, Katie qui a des exigences impérieuses malgré son évitement de la situation, et Christina, la new-age, qui essaie de maintenir la paix, bien qu'elle soit elle-même au bord de la rupture. C'est presque une pièce fermée à clé, l'appartement piégeant les femmes, les forçant à accepter non seulement la mort de leur père mais aussi leurs propres relations entre elles, tout cela pendant que Vincent (Jay O. Sanders) les hante avant même son décès. La mort peut planer sur le drame du réalisateur Azazel Jacobs, mais His Three Daughters s'avère finalement étrangement porteur de vie.
Le Tombeau des Lucioles
Lorsque Seita et sa jeune sœur Setsuko deviennent orphelins à la suite du bombardement de Kobe dans les derniers jours de la Seconde Guerre mondiale, les frères et sœurs sont contraints de vivre dans des conditions terribles pour survivre. Coincés entre une famille élargie abusive et le désespoir absolu de fouiller dans les ruines de leur ville natale détruite, c'est une existence lugubre – et aussi la base de l'une des plus belles œuvres du Studio Ghibli. Réalisé par Isao Takahata et basé sur une nouvelle d'Akiyuki Nosaka, Le Tombeau des Lucioles est sans complexe poignant dans son exploration de la façon dont la guerre et le nationalisme rongent les plus vulnérables, mais parsemé de moments d'amour inébranlable alors que Seita tente de protéger l'innocence de Setsuko. Ce drame brûlant en temps de guerre est un visionnage sobre mais essentiel, un film qui a plus que mérité son classement dans les échelons supérieurs des meilleurs films du Studio Ghibli.
La Plateforme
Goreng (Iván Massagué) se réveille dans une cellule d'une prison verticale, où la nourriture n'est fournie que par une plate-forme qui descend niveau par niveau, s'arrêtant juste assez longtemps pour que les détenus mangent avant de descendre toujours plus bas. Alors qu'il y a assez de nourriture pour tout le monde, les prisonniers des niveaux supérieurs se gavent, laissant ceux du dessous mourir de faim. C'est la recette parfaite pour la violence, la trahison et la rébellion dans le thriller espagnol tendu du réalisateur Galder Gaztelu-Urrutia. À parts égales horreur, science-fiction dystopique et commentaire social, The Platform fonctionne non seulement comme une déclaration peu subtile sur la culture de consommation, mais aussi comme un examen brutal des profondeurs dans lesquelles les personnes désespérées peuvent sombrer. Ce n'est absolument pas pour tout le monde (les scènes impliquant du cannibalisme et du suicide en font un film particulièrement troublant par endroits), mais grâce à son cadre claustrophobe et brutaliste et aux performances exceptionnelles de ses acteurs, c'est un divertissement fascinant. Alors qu'une suite est sur le point de sortir, c'est le moment idéal pour plonger dans l'un des films les plus visuellement frappants et narrativement provocateurs de Netflix.
Crête rebelle
Lorsque des policiers corrompus chassent Terry Richmond (Aaron Pierre) de la route pour avoir fait du vélo alors qu'il était noir, ils saisissent également l'argent qu'il avait prévu d'utiliser pour payer la caution de son cousin. Malgré l'injustice, Terry essaie de faire tout ce qu'il faut mais trouve presque tous les aspects du système juridique contre lui. À bout de patience et alimenté par une colère immensément justifiée, il entreprend de déraciner la pourriture de la petite ville, aidé seulement par la greffière Summer (AnnaSophia Robb). Le scénariste et réalisateur Jeremy Saulnier aurait pu faire de Rebel Ridge un simple First Blood des temps modernes, mais bien qu'il y ait beaucoup de scènes de combat viscérales et déchirantes, c'est le regard justement colérique du film sur les failles du système juridique américain qui donne au film son mordant, tout en consolidant Pierre comme une star de l'action à suivre.
tic, tic… BOUM !
Le premier long métrage de Lin-Manuel Miranda met en scène Andrew Garfield dans le rôle du dramaturge Jonathan Larson, le créateur de Rent , qui lutte pour terminer son œuvre emblématique à l'approche de son 30e anniversaire. Adaptation de la comédie musicale semi-autobiographique de Larson, produite à titre posthume et créée en 2001, la version cinématographique de Miranda capture parfaitement les tortures du processus créatif, retraçant la lutte de longue haleine de Harper pour consolider son héritage et explorant comment le perfectionnisme peut être un démon. En réalité, Larson est décédé en janvier 1996, le jour même de l'avant-première de Rent hors Broadway, un fait triste qui donne à tic-tac… BOOM ! un sentiment d'urgence encore plus grand au milieu de ses joyeuses performances musicales.
Petites Lettres Méchantes
Inspiré de faits réels, Wicked Little Letters se déroule en 1920, dans la pittoresque ville anglaise de Littlehampton. Lorsque la famille aisée d'Edith Swan commence à recevoir du courrier injurieux, Rose Gooding, une immigrante irlandaise réputée pour son caractère grossier et qui s'est récemment brouillée avec Edith, est la suspecte numéro un. Pourtant, alors que le fléau des « lettres empoisonnées » se répand et devient un scandale national, seule l'agent de police négligée Gladys Moss (Anjana Vasan) pense que Rose est victime d'un coup monté. Olivia Colman, lauréate d'un Oscar, est au top de sa forme dans le rôle d'Edith, tandis que Jessie Buckley nous enchante avec sa performance fougueuse dans le rôle de Rose dans cette comédie étonnamment hilarante.
Bûcheron le monstre
Tout d’abord, ce film n’est absolument pas destiné aux jeunes spectateurs, mais c’est ce à quoi on pouvait s’attendre de la part du réalisateur Takashi Miike ( Ichi the Killer ). Bien qu’il se soit orienté vers un film plus familial avec les adaptations en jeu vidéo et en manga Ace Attorney et JoJo’s Bizarre Adventure , Miike revient à ses racines de slasher choc avec Lumberjack the Monster. On y suit Akira Ninomiya (Kazuya Kamenashi), un avocat prêt à tuer pour réussir, et la querelle qui s’ensuit dans toute la ville lorsqu’un tueur en série masqué, le bûcheron titulaire, le poignarde. Aussi sanglant et exagéré que Miike l’a toujours été, et avec des touches de surréalisme en plus, ce film n’est pas pour les âmes sensibles, mais c’est un retour captivant à la forme pour le créateur infâme.
Le jeu à long terme
Inspiré de l'histoire vraie des Mustangs de San Felipe, The Long Game suit JB Peña (Jay Hernandez), un vétéran de la Seconde Guerre mondiale devenu directeur de lycée dans les années 1950, alors qu'il forme un groupe d'adolescents américano-mexicains doués pour le golf (mais qui n'ont nulle part où jouer, en raison des pratiques racistes et d'exclusion du club officiel de leur ville texane) pour en faire une équipe championne. Si le film a toutes les caractéristiques d'un film sportif sur les outsiders (et peut-être un peu trop de métaphores sur le golf), le réalisateur Julio Quintana évite les clichés les plus écœurants du genre, se concentrant plutôt sur les frustrations et les ambitions des jeunes joueurs, en particulier Joe Treviño (Julian Works), le leader de facto de l'équipe qui subvertit les attentes en refusant même de vouloir jouer dans un club qui ne le respecte pas. Avec son casting fantastique renforcé par des acteurs comme Cheech Marin, Dennis Quaid et Jaina Lee Ortiz, The Long Game est une belle histoire de bris de barrières, sur et en dehors du parcours de golf.
Le policier de Beverly Hills : Axel F
Après deux précédentes excursions tumultueuses dans la glamoureuse Beverly Hills (on ne compte pas Le Flic de Beverly Hills III de 1994), le détective Axel Foley (un Eddie Murphy ressuscité, prouvant qu'il n'a rien perdu de son éclat des années 1980) est de retour en Californie après avoir causé un minimum de destruction publique dans sa ville natale de Detroit, pour découvrir que la vie de sa fille Jane (Taylour Paige) est en danger. Les suites de Legacy, des décennies après leurs sorties originales, peuvent être un succès ou un échec, mais Axel F atteint ce doux équilibre entre nostalgie et renouveau, offrant à Murphy de nombreux alliés et ennemis anciens et nouveaux sur lesquels rebondir. Joseph Gordon-Levitt, en particulier, impressionne dans le rôle de Bobby Abbott, le nouveau partenaire de Foley au BHPD – et l'ex de Jane – tandis que des visages familiers Billy Rosewood (Judge Reinhold) et Jeffrey Friedman (Paul Reiser) font des retours bienvenus sans donner l'impression d'être des caméos gratuits. Le meilleur de tout est le recours d'Axel F aux effets spéciaux et aux cascades, notamment dans une série de séquences de poursuite vraiment excitantes tirées directement des années 80. Un retour en arrière qui regarde vers l'avenir, c'est le meilleur Flic de Beverly Hills depuis l'original.
L'Imaginaire
Entre la comédie légère IF… et le film d’horreur Imaginary , le cinéma de 2024 mise beaucoup sur les amis imaginaires. Cette version japonaise magnifiquement animée du concept est la meilleure du lot, une fable fantaisiste pleine de visuels époustouflants et de grandes idées. Adapté du livre d’AF Harrold, The Imaginary suit la jeune Amanda et son meilleur ami Rudger, créé par son propre esprit, alors qu’ils partagent d’innombrables aventures. Mais à mesure qu’Amanda vieillit, Rudger fait face au sort de tous les imaginaires : disparaître lorsque leurs humains l’oublient. Dernier film du réalisateur Yoshiyuki Momose ( Mary et la fleur de la sorcière ) et du Studio Ponoc, successeur spirituel du puissant Studio Ghibli, c’est une ode époustouflante au pouvoir de l’imagination et de l’amitié.
Sous Paris
Dans ce film de créatures français si sérieux qu'il en devient ridicule, Bérénice Bejo incarne la spécialiste marine Sophia Assalas, qui traque un requin mako qui a non seulement muté spontanément pour survivre dans les eaux douces de la Seine, mais qui est également sur le point de donner naissance à une multitude de bébés requins mangeurs d'hommes. Pire encore ? Paris est sur le point d'organiser un triathlon, dont la partie natation sera un buffet à volonté ! Écoutez, tout ce qui figure dans cette liste n'a pas besoin d'être de l'art. Parfois, il suffit de voir un requin mutant mordre des gens pendant que des humains de plus en plus désespérés commencent à faire exploser des trucs. Appuyez sur Play, éteignez votre cerveau, profitez.
Tueur à gage
Gary Johnson (Glen Powell) est un professeur de philosophie aux manières douces et un tueur à gages. Enfin, pas tout à fait. Il se fait simplement passer pour tel, travaillant avec le département de police de la Nouvelle-Orléans pour piéger les personnes qui cherchent à embaucher un tueur à gages. C'est un rôle dans lequel il est étonnamment doué, mais lorsque Madison (Adria Arjona) cherche à « s'occuper » de son mari violent, Gary commence à tomber amoureux d'elle et les conséquences pourraient être vraiment fatales. Entre les mains d'un autre créateur, Hit Man aurait pu être soit trop sinistre, soit simplement insignifiant (il est vaguement basé sur une histoire vraie), mais le réalisateur Richard Linklater tire parti de son utilisation caractéristique de dialogues étincelants et de personnages brillamment réalisés pour proposer une comédie d'action intelligente qui explore les rôles que jouent les gens dans la société autant qu'elle sert des erreurs d'identité.
Godzilla Moins Un
Malgré la présence du kaiju éponyme, Godzilla Minus One est un film ancré dans l'humanité de ses protagonistes, le pilote kamikaze déserteur Koichi Shikishima (Ryunosuke Kamiki) et Noriko Ōishi (Minami Hamabe), une survivante des bombardements de Tokyo. Réunis en famille de substitution pour élever un bébé orphelin, leurs tentatives de construire une nouvelle vie tournent au chaos lorsque le reptile irradié s'abat sur la ville alors qu'elle commence à se rétablir. La réinvention du premier kaiju japonais par le réalisateur Takashi Yamazaki a valu au Roi des monstres son tout premier Oscar, en remportant une statuette pour les meilleurs effets visuels aux Oscars 2024, mais ce film va au-delà du simple spectacle : c'est un examen brûlant de la vie après la guerre et de la façon dont une nation se bat pour se retrouver du côté des perdants.
La fouille
Dans un contexte britannique au bord de la guerre, The Dig relate l'une des plus grandes découvertes archéologiques jamais réalisées dans les îles : les fouilles de Sutton Hoo en 1939. Lorsque la riche propriétaire terrienne Edith Pretty (Carey Mulligan) engage l'archéologue Basil Brown (Ralph Fiennes) pour déterrer de grands monticules sur sa propriété, le duo fait une découverte surprenante : un navire datant du Moyen-Âge qui s'avère être le lieu de sépulture d'une personne d'une grande distinction. Mais à mesure que la nouvelle du trésor se répand, d'autres archéologues de renom s'emparent de la découverte de Pretty et Brown pour en prendre possession. Lent à se développer mais digne des éloges qu'il a reçus, The Dig est un drame d'époque époustouflant et bien joué sur un morceau d'histoire largement méconnu.
Chasseur de ville
Basé sur le manga de 1985 de Tsukasa Hojo, City Hunter est une franchise de longue date dans son Japon natal et a déjà donné naissance à des adaptations live-action à Hong Kong et en France. Heureusement, il n'y a pas besoin de faire ses devoirs pour cette version moderne, une histoire autonome de Ryo Saeba (Ryohei Suzuki), un « balayeur » à la fois drôle et coureur de jupons, à mi-chemin entre détective privé, garde du corps et chasseur de primes. Lorsque son partenaire Makimura est tué par quelqu'un sous l'effet d'une drogue qui confère une force surhumaine, Ryo est obligé de s'associer à la sœur de Makimura, Kaori (Misato Morita), pour le venger, une quête qui l'entraîne dans une vaste conspiration criminelle et prépare le terrain pour certaines des scènes d'action les plus incroyables que vous puissiez voir. Canalisant l'esprit des films d'action des années 80 mais avec des valeurs de production modernes, des rythmes comiques tranchants et une performance principale charismatique de Suzuki, City Hunter est extrêmement divertissant.
Suzume
Suzume Iwato (doublée par Nanoka Hara en japonais, Nichole Sakura en anglais) vit avec sa tante sur l'île du sud du Japon, après avoir perdu sa mère lors du tremblement de terre de Tōhoku en 2011. Lorsqu'un beau jeune étranger nommé Souta (Hokuto Matsumura, Josh Keaton) lui demande son chemin vers des ruines locales, elle le suit par curiosité mais perturbe une clé de voûte vivante, libérant accidentellement un pouvoir ancien qui menace de détruire le pays tout entier. Attirés dans le monde de Souta, les deux hommes poursuivent la clé de voûte, désormais sous la forme d'un chat, à travers le Japon dans une tentative désespérée de resceller l'entité destructrice – une quête qui serait plus facile si Souta n'avait pas été transformé en chaise en bois pour enfant. Le dernier film de Makoto Shinkai ( Your Name, Weathering with You ), Suzume, est une tranche de réalisme magique à couper le souffle avec une touche surréaliste – mais au-delà du spectacle, c'est un conte réconfortant de communauté et d'humanité, chaque étape du voyage improbable du duo étant un instantané de personnes et de familles se réunissant à la suite d'une tragédie.
La Terre errante
Le film a rencontré un énorme succès en Chine, où il a engrangé plus de 700 millions de dollars au box-office, ce qui a poussé Netflix à acquérir les droits de diffusion de ce film de science-fiction à l'échelle internationale. Le film suit un groupe d'astronautes qui, dans un futur lointain, tentent de guider la Terre loin du Soleil, qui se transforme en géante rouge. Le problème ? Jupiter est également sur leur chemin. Alors que la Terre est dirigée par 10 000 moteurs à incendie attachés à la surface, les humains qui vivent encore sur la planète doivent trouver un moyen de survivre aux conditions environnementales en constante évolution. Adaptation d'une nouvelle de Cixin Liu, ce film est le complément parfait de l'adaptation par Netflix du Problème à trois corps de Liu.
Maboroshi
Masamune mène une existence d'adolescent tout à fait normale dans sa ville natale, à la campagne, au Japon, jusqu'à ce que l'usine sidérurgique locale entre en éruption, enfermant mystérieusement toute la ville dans une bulle temporelle inexplicable où personne ne vieillit. Alors que la petite communauté lutte pour s'adapter, une culture qui craint le changement émerge, d'abord à partir de la présomption que les résidents devraient rejoindre le monde extérieur tel qu'ils l'ont quitté, et finalement interdisant même de nouvelles relations. Pourtant, lorsque Mutsumi, l'étrange camarade de classe de Masamune, l'attire dans l'usine maudite et lui présente une jeune fille sauvage qui ne devrait pas exister, la réalité bizarre dans laquelle ils vivent tous commence à s'effondrer. Une version fantastique des notions de rébellion juvénile, de prison de la familiarité et de peur du changement, Maboroshi – qui signifie « illusion » – est un deuxième long métrage éblouissant de la réalisatrice Mari Okada – dont le premier film de 2018 , Maquia : When the Promised Flower Blooms, a remporté des éloges dans le monde entier – et qui l'établit fermement comme l'une des créatrices les plus passionnantes travaillant dans l'animation aujourd'hui.
Orion et l'obscurité
Le jeune Orion a peur de tout, mais surtout du noir. Ce serait vraiment dommage que la manifestation de l'obscurité elle-même se manifeste une nuit, n'est-ce pas ? Si un petit changement de ton pourrait donner lieu à une histoire d'horreur, ce charmant long métrage d'animation de DreamWorks est plutôt un délice, car Dark, ainsi que les autres incarnations de la nuit, dont Sweet Dreams et Insomnia, emmènent Orion dans un voyage pour montrer que la nuit n'est pas quelque chose dont il faut avoir peur. Dans une ambiance similaire à Vice-Versa , cette exploration des peurs de l'enfance (et de leur dépassement) constitue un excellent film familial.
Sois toujours mon peut-être
Écrit et interprété par Ali Wong et Randall Park, Always Be My Maybe raconte l'histoire de deux amis d'enfance inséparables dont les vies basculent radicalement après un rendez-vous douloureux à l'adolescence. Wong joue le rôle de Sasha Tran, une chef cuisinière superstar dont la carrière stratosphérique ne parvient pas à masquer les fissures de sa relation chancelante. Park, quant à lui, joue le rôle de Marcus Kim, dont les ambitions ne l'ont pas mené plus loin que le bar local et l'entreprise de climatisation de son père. Le destin – et une apparition bizarre de Keanu Reeves – conspirent pour réunir les deux protagonistes dans une comédie romantique réfléchie et hilarante.
Laissez le monde derrière vous
Une escapade d'un week-end dans une luxueuse propriété de location de vacances pour Amanda, Clay et leurs enfants, Archie et Rose, prend une tournure sinistre à la suite d'une panne de courant inexplicable. Lorsque le propriétaire de la maison, George, et sa fille, Ruth, rentrent plus tôt que prévu, les soupçons s'intensifient, mais un troupeau de cerfs de plus en plus nombreux qui rôde devant la maison, des véhicules en panne et des rapports d'attaques dispersés à travers le pays obligent les deux familles à compter l'une sur l'autre face à ce qui pourrait être la fin du monde. Adapté du roman du même nom de Rumaan Alam, et avec un casting de stars comprenant Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha'la et Kevin Bacon, ce film se délecte à maintenir le public aussi incertain que ses personnages, en expliquant peu et en laissant des questions sur lesquelles vous réfléchirez pendant des jours.
Bon deuil
Écrit et réalisé par Dan Levy, ce drame touchant explore la difficulté de surmonter une tragédie. Lorsque le mari de Marc (Levy), Oliver, décède, il est incapable de faire son deuil après avoir appris qu'il avait une liaison. Un week-end à Paris avec ses amis Sophie (Ruth Negga) et Thomas (Himesh Patel), qui font face à leurs propres dilemmes relationnels existentiels, ne fait qu'empirer les choses lorsqu'il est révélé qu'Oliver louait secrètement un appartement là-bas. Si le sujet lugubre sera un coup de fouet tonal pour tous ceux qui y seront attirés par la performance de Levy dans Schitt's Creek , Good Grief se révèle être une exploration empathique des complexités du deuil, beaucoup plus chaleureuse et plus affirmative que ce que les spectateurs pourraient s'attendre à voir.
Rustine
Réalisé par George C. Wolfe ( Ma Rainey's Black Bottom ), ce film biographique explore la vie du militant des droits civiques Bayard Rustin. S'il est peut-être mieux connu comme l'un des principaux organisateurs de la Marche sur Washington de 1963, Rustin était également ouvertement et sans complexe gay à une époque où c'était extrêmement rare. Le film n'hésite pas à dire que cela a aliéné de nombreuses personnes avec lesquelles il a travaillé, sa sexualité étant souvent considérée comme une menace pour le mouvement. Un coup de projecteur indispensable sur une figure négligée mais essentielle du mouvement des droits civiques, sublimée par la performance centrale d'un Colman Domingo spectaculairement bien choisi dans le rôle de Rustin lui-même.
Sa maison
Fuyant le Soudan du Sud déchiré par la guerre, Bol (Ṣọpẹ́ Dìrísù) et Rial (Wunmi Mosaku) vivent désormais dans une maison délabrée à la périphérie de Londres, harcelés par leurs voisins alors qu'ils tentent de s'intégrer. Le couple est également hanté par les vies qu'ils ont laissées derrière eux, au sens figuré et (peut-être) au sens propre, avec des visions de leur fille Nyagak, décédée au cours du voyage, qui apparaissent et disparaissent des murs de leur nouvelle maison lugubre. La véritable horreur de His House ne réside pas dans les visions étranges, la maison hantée ou les fantômes potentiels, mais dans la désolation des vies dans lesquelles Bol et Rial sont contraints, l'hostilité et la déshumanisation du processus d'asile au Royaume-Uni, le racisme à la fois manifeste et occasionnel, le tout associé à l'énorme sentiment de perte qu'ils portent en eux. Mêlant le macabre au banal, le réalisateur Remi Weekes livre un film tendu et stimulant qui hantera les spectateurs autant que ses personnages.
Le Livre Noir
Paul Edima (Richard Mofe-Damijo) mène une vie paisible en tant que diacre d'église, essayant d'expier – ou du moins d'oublier – ses anciens actes en tant qu'agent spécial hautement qualifié. Ses projets de laisser derrière lui son passé violent et sanglant s'effondrent lorsque son fils est accusé de meurtre puis tué par la police corrompue, l'obligeant à se rabattre sur ses anciennes compétences pour se venger. Shades of Taken , oui, mais c'est l'énergie brute de la réalisatrice Editi Effiong et ses nouvelles approches des formules familières des films d'action qui, soutenues par l'un des budgets les plus élevés de l'histoire de « Nollywood », placent ce film brut en tête des listes les plus regardées jusqu'en Corée du Sud. Élargissez vos horizons cinématographiques et voyez pourquoi on en parle tant.
Nyad
Il y a environ 177 kilomètres d'eau entre Cuba et la Floride, remplie de méduses, de physalies et de requins, et exposée à des conditions météorologiques épouvantables. L'idée d'essayer de parcourir le parcours en solitaire peut susciter quelques inquiétudes, sans parler de le faire avec le moins de mesures de protection possible, mais c'est exactement ce qu'a fait la nageuse de fond Diana Nyad, à l'âge de 64 ans, rien de moins. Ce film biographique des réalisateurs Elizabeth Chai Vasarhelyi et Jimmy Chin ( Free Solo ) présente Annette Bening dans le rôle d'une Nyad obsédée presque monomaniaque, déterminée à prouver à tout le monde (ou peut-être seulement à elle-même) qu'elle peut terminer le marathon de natation qui l'a battue toute sa vie. Pendant ce temps, le rôle de Bonnie Stoll, l'amie, l'entraîneuse et l'ex-partenaire de Nyad, interprété par Jodie Foster, apporte un sentiment de stabilité face à la force de la nature qui fait que Nyad devient de plus en plus déterminée, presque dangereusement. Bien que Nyad soit un peu plus fantaisiste que les œuvres documentaires de Vasarhelyi et Chin et passe sous silence certains aspects de l'histoire réelle de Nyad, il témoigne de la détermination humaine, de l'amitié et du pouvoir de l'entêtement.
La merveilleuse histoire de Henry Sugar
Oubliez sa durée de 41 minutes et mettez de côté tout argument sur le fait que sa brièveté « compte » comme un film : cette sortie fantastique voit Wes Anderson adapter une œuvre de Roald Dahl pour la première fois depuis Fantastic Mr. Fox de 2009, et le résultat est tout aussi brillant. Plutôt que du stop-motion, comme avec Mr. Fox , il s'agit d'une affaire d'action en direct avec une performance de premier ordre de Benedict Cumberbatch dans le rôle de Henry Sugar, un homme riche qui s'ennuie et qui acquiert un étrange pouvoir qu'il utilise finalement pour améliorer le monde. Avec un casting plus large comprenant Dev Patel, Ralph Fiennes et Ben Kingsley, et filmé avec toute la sensibilité esthétique caractéristique d'Anderson, c'est vraiment une histoire merveilleuse. Et, si vous êtes toujours gêné par la courte durée d'exécution, consolez-vous du fait que cela forme un tétraptyque avec The Rat Catcher, The Swan et Poison ; Courts métrages de 15 minutes avec le même casting, réalisés par Anderson, et tous adaptant d'autres contes de Dahl dans son style caractéristique.
Eldorado : Tout ce que les nazis détestent
Centré sur la boîte de nuit éponyme de Berlin, ce documentaire explore la vie des personnes LGBTQ+ pendant l'entre-deux-guerres, des années 1920 rugissantes à la montée des nazis et aux horreurs de la Seconde Guerre mondiale. À travers un mélange d'images d'archives, de reconstitutions et de récits à la première personne, le réalisateur Benjamin Cantu dresse le portrait d'une décadence joyeuse, l'Eldorado étant un lieu presque sacré où les artistes et les clients expérimentaient l'expression du genre et étaient libres d'afficher ouvertement leur sexualité. C'est une ode à ce qui a été perdu, mais avec un œil sur les contradictions bizarres de l'époque, où les habitués des clubs ouvertement gays portaient leurs propres uniformes nazis au fil des ans. Everything the Nazis Hate est parfois un visionnage émotionnellement difficile, mais il offre une tranche importante de l'histoire queer que beaucoup ignorent complètement.
Épouse mon cadavre
Wu Ming-han (Greg Hsu) n'est pas un type bien. Policier homophobe, sa vie et ses préjugés vont changer lorsqu'il récupère une enveloppe rouge sans prétention alors qu'il enquête sur une affaire. Désormais lié par les coutumes du « mariage fantôme » à Mao Mao (Austin Lin), un homosexuel décédé dans des circonstances mystérieuses, Wu doit résoudre la mort de son « mari » avant de pouvoir continuer sa vie. Réalisé par Cheng Wei-hao, plus connu pour ses thrillers et ses films d'horreur, Marry My Dead Body voit le réalisateur taïwanais apporter son style surnaturel à cette comédie absurde et fantomatique pour un film qui transcende les frontières.
Les mots bouillonnent comme des sodas
Cherry a du mal à parler aux autres, préférant partager ses sentiments par le biais de haïku. Smile est une vlogueuse qui porte toujours un masque, craignant de révéler son appareil dentaire au monde. Les deux jeunes gens sont très mauvais en communication, jusqu'à ce qu'une rencontre chaotique dans un centre commercial les rapproche et qu'ils commencent à sortir de leur coquille. Ce premier long métrage de Kyōhei Ishiguro ( Your Lie in April ) est une charmante comédie romantique tranche de vie qui transcende ses attributs de romance adolescente. Son animation magnifique, sa palette de couleurs époustouflante et son esthétique pop art accrocheuse sont encore renforcées par une bande-son géniale qui mélange les haïkus de Cherry avec des influences hip-hop. Fidèle à son titre, Words Bubble Up Like Soda Pop est une affaire effervescente et joyeuse qui fera sourire même le spectateur le plus blasé.
Zom 100 : la liste des choses à faire pour les morts
À quel point Akira Tendo (Eiji Akaso) déteste-t-il son travail de bureau démoralisant, inutile et abusif ? Pour le dire autrement : il considère l’apocalypse zombie comme une amélioration. Libérés des entraves de la monotonie du travail quotidien, Akira et une poignée de survivants sont désormais libres de faire tout ce qu’ils ont toujours voulu faire, à condition d’éviter de devenir eux-mêmes des mangeurs de chair morts-vivants. Adaptée du manga de Haro Aso (créateur d’ Alice in Borderland ) et Kotaro Takata, cette comédie zombie tapageuse regorge de moments incroyablement stupides (combat de requins zombies !) mais avec pour thème central l’apprentissage de la vraie vie, elle a aussi beaucoup de cœur.
Ils ont cloné Tyrone
Le trafiquant de drogue Fontaine (John Boyega) a été abattu la nuit dernière. Alors pourquoi s'est-il réveillé dans son lit comme si de rien n'était ? Cette question existentielle conduit Fontaine et deux alliés improbables – la prostituée Yo-Yo (Teyonah Parris) et le proxénète Slick Charles (Jamie Foxx) – à découvrir une vaste conspiration centrée sur une ville à majorité noire appelée The Glen, où les gens sont apaisés par de la musique rap hypnotique, abrutis par du poulet frit et du jus de raisin mélangés à de la drogue, et prêchés pour devenir obéissants à l'église. Mais qui utilise la ville comme boîte de Petri, et pourquoi y a-t-il un laboratoire de clonage enterré sous terre ? Cette satire mortellement acérée de l'écrivain et réalisateur débutant Juel Taylor mélange magistralement les genres, de l'utilisation de motifs visuels et de clichés datés du cinéma Blaxploitation des années 1970 à ses fréquentes incursions dans le territoire de la science-fiction et de la comédie à mourir de rire. Mais ce sont les performances puissantes de son casting principal qui en font un film à ne pas manquer.
Nimona
Nimona, métamorphe, peut devenir tout ce qu'elle veut, un don qui fait que les gens la craignent et la rejettent. Si la société la traite comme une méchante, elle en sera une, alors elle décide de devenir l'acolyte du chevalier noir détesté, Ballister Blackheart. Malheureusement pour la menace en devenir, Blackheart n'est pas tout à fait le monstre qu'il prétend être, et il essaie plutôt de maîtriser les tendances plus meurtrières de Nimona alors qu'il cherche à laver son nom d'un crime qu'il n'a pas commis – et à affronter son vieil ami Ambrosius Goldenloin dans le processus. Adapté du roman graphique révolutionnaire de ND Stevenson, Nimona est plus qu'un simple fantasme fantaisiste – c'est une histoire d'étrangers et d'exilés, de personnes essayant de faire le bien même lorsque leur communauté les rejette, et la joie de trouver son propre petit groupe en cours de route. Après un voyage de près d'une décennie sur le grand écran, ce film d'animation éblouissant est devenu un classique instantané.
Les garçons du groupe
The Boys in the Band se déroule à New York en 1968 et offre un aperçu de la vie gay un an avant que Stonewall ne fasse connaître les droits des personnes LGBTQ+ au grand public. Lorsque Michael (Jim Parsons, fraîchement sorti de The Big Bang Theory ) organise une fête d'anniversaire pour son meilleur ennemi Harold (Zachary Quinto), il s'attend à une soirée de beuveries, de danse et de potins avec leur cercle intime, jusqu'à ce qu'Alan, l'ami hétéro de Michael à l'université, débarque, désespéré de partager quelque chose. Au fil de la soirée, les personnalités s'affrontent, les esprits s'échauffent et les secrets menacent de faire surface dans l'étude de personnages tendue du réalisateur Joe Mantello. Adaptée à l'écran par Mart Crowley, auteur de la pièce de théâtre originale, cette pièce d'époque parvient à être une exploration aussi poignante que jamais des relations et des identités queer.
Cargaison
Dans un monde déjà ravagé par une épidémie de zombies, Andy Rose (Martin Freeman) ne souhaite qu'assurer la sécurité de sa famille et reste sur les routes rurales d'Australie pour éviter l'infection. Après que sa femme a été tragiquement mordue et l'a infecté à son tour, Andy cherche désespérément un refuge pour sa fille en bas âge, Rosie. À seulement 48 heures de sa mort, Andy trouve une alliée en Thoomi (Simone Landers), une jeune aborigène qui cherche à protéger son propre père enragé. Mais avec les menaces des survivalistes paranoïaques et des communautés aborigènes qui traquent les infectés, il est peut-être déjà trop tard. Une version unique de l'apocalypse zombie, Cargo abandonne les paysages urbains familiers du genre pour les étendues sauvages à couper le souffle de l'Australie et offre une approche plus lente et axée sur les personnages de la fin du monde.
Pinocchio de Guillermo del Toro
Le maître moderne du macabre donne vie au petit garçon en bois comme jamais auparavant dans cette version animée exquise de Pinocchio . Dans un chef-d'œuvre en stop-motion qui se rapproche davantage du conte original des années 1880 de Carlo Collodi que de la version aseptisée de Disney, Guillermo del Toro ajoute sa propre touche personnelle et des rebondissements convaincants à l'histoire classique qui la rendent sombrement enchanteresse – attendez-vous à une Fée bleue plus proche d'un ange aux nombreux yeux bibliquement précis et un terrible requin plus proche d'un kaiju. Mais c'est la décision de transplanter l'histoire à la Seconde Guerre mondiale qui est la plus touchante. Projeté dans le contexte de la montée du fascisme, avec Gepetto pleurant la perte de son fils, le film regorge de thèmes complexes de mortalité et de moralité qui hanteront le public longtemps après le générique. Si cela ne vous convainc pas, peut-être que le fait qu'il ait remporté l'Oscar du meilleur long métrage d'animation en 2023 le fera.
Appelez-moi Chihiro
Un film idyllique sur la vie quotidienne avec une touche d'originalité. Call Me Chihiro suit une ancienne travailleuse du sexe, la Chihiro éponyme, interprétée par Kasumi Arimura, après son déménagement dans une ville balnéaire pour travailler dans un restaurant de bento. Ce n'est pas l'histoire d'une femme en fuite ou essayant d'échapper à son passé : Chihiro est d'une franchise rafraîchissante et sans complexe, et sa chaleur et son ouverture d'esprit commencent bientôt à changer la vie de ses voisins. Réalisé par Rikiya Imaizumi, il s'agit d'un drame de personnages intime et sincère qui alterne entre des moments de solitude douloureuse et de pure joie, rempli de moments émotionnels qui rappellent aux spectateurs l'importance des plus petites connexions.
La bête de la mer
Il est facile d’imaginer que le pitch de The Sea Beast était « Moby Dick rencontre Dragons » – et qui ne serait pas séduit par cela ? Dans un monde fantastique où des léviathans océaniques terrorisent l’humanité, ceux qui traquent ces monstres géants sont salués comme des héros. Jacob Holland (doublé par Karl Urban) est l’un de ces héros, fils adoptif du légendaire capitaine Crowe et en passe de construire sa propre réputation de chasseur de monstres – un voyage perturbé par la clandestine Maisie Brumble (Zaris-Angel Hator), qui a ses propres ambitions de s’attaquer aux bêtes marines. Cependant, après qu’une tentative de destruction du colossal Red Bluster a mal tourné, Jacob et Maisie se retrouvent bloqués sur une île remplie de créatures, et ils découvrent que les monstres ne sont peut-être pas si monstrueux que ça après tout. Une aventure en mer palpitante réalisée par Chris Williams, connu pour ses Big Hero 6 et Moana , qui a assuré sa place parmi les meilleurs films de Netflix avec une nomination pour le meilleur film d'animation aux Oscars de cette année.
Glass Onion : un mystère à couteaux tirés
Daniel Craig reprend son rôle du détective Benoit Blanc dans cette brillante suite du polar phénoménal de 2019, Knives Out . Le scénariste-réalisateur Rian Johnson élabore une nouvelle affaire diaboliquement pointue pour « le dernier des gentlemen détectives », emmenant Blanc sur une île grecque pour une escapade chez un milliardaire reclus de la technologie et sa collection d'amis et de parasites, où un week-end de mystère de meurtre prévu prend une tournure mortelle. Bien que totalement accessible aux nouveaux venus, les fans du premier film seront également récompensés par un développement de personnage plus approfondi pour Blanc, un rôle qui s'annonce aussi emblématique pour Craig que 007. Aussi intelligemment écrit et méticuleusement construit que son prédécesseur, et mettant en vedette le genre de casting de stars – Edward Norton ! Janelle Monáe ! Kathryn Hahn ! Leslie Odom Jr. ! Jessica Henwick ! Madelyn Cline ! Kate Hudson ! Dave Bautista ! – dont sont faits les rêves de cinéma, Glass Onion pourrait bien être la meilleure chose que Netflix ait abandonnée de cette année.
La merveille
Florence Pugh éblouit dans ce film presque horrifique du réalisateur oscarisé Sebastián Lelio. L'histoire se déroule en 1862. L'infirmière anglaise Lib Wright (Pugh) est envoyée en Irlande pour observer Anna O'Donnell, une jeune fille qui prétend n'avoir rien mangé depuis quatre mois, se nourrissant plutôt de « la manne du ciel ». Toujours en deuil de la perte de son propre enfant, Lib est déchirée entre l'enquête sur l'impossibilité médicale et l'inquiétude croissante pour Anna elle-même. Au milieu des obstacles que constituent la famille profondément religieuse d'Anna et une communauté locale qui se méfie d'elle, la surveillance de Lib se transforme en une expérience tendue et terrifiante. Basé sur un livre du même nom d'Emma Donoghue, The Wonder est un film d'époque magnifique mais sombre qui explore les horreurs bien trop mortelles que la ferveur religieuse aveugle et les secrets de famille peuvent provoquer.
RRR
L'un des plus grands films indiens de tous les temps, RRR (ou Rise, Roar, Revolt ) redéfinit la notion de spectacle cinématographique. Se déroulant en 1920, cette épopée historique suit les vies et les actions des révolutionnaires indiens Alluri Sitrama Raju (Ram Charan) et Komaram Bheem (NT Rama Rao Jr.), mais met en scène de manière romancée. Bien qu'ils viennent d'horizons très différents, leurs similitudes les rapprochent alors qu'ils doivent affronter le gouverneur sadique Scott Buxton (Ray Stevenson) et sa cruelle épouse, Catherine (Alison Doody). Loin d'être un simple film d'époque, RRR est une œuvre cinématographique audacieuse, passionnante et souvent explosive qui élève ses héros à un statut quasi mythologique. Le réalisateur SS Rajamouli déploie des scènes d'action brillamment tournées – et un numéro de danse exquisément chorégraphié – qui captent l'attention des spectateurs et refusent de les lâcher. Que vous soyez un fan de longue date du cinéma indien ou que vous recherchiez simplement un film d'action au-delà de la norme hollywoodienne, RRR est à ne pas manquer.
J'ai perdu mon corps
Lauréat d'un prix à Cannes en 2019, ce récit d'amour naissant, d'obsession et de parties du corps autonomes est tout aussi étrange que l'on pourrait s'y attendre pour un film d'animation français pour adultes. Le réalisateur Jérémy Clapin retrace la vie de Naoufel, un immigré marocain dans la France d'aujourd'hui qui tombe amoureux de la lointaine Gabrielle, et de la main coupée de Naoufel, qui traverse la ville pour tenter de renouer avec lui. Avec des chronologies qui se croisent et des discussions complexes sur le destin, I Lost My Body est souvent hallucinant mais toujours captivant, et Clapin utilise une animation brillamment détaillée et des choix de couleurs phénoménaux tout au long du film. À regarder à la fois en version originale française et en doublage anglais solide avec Dev Patel et Alia Shawkat, ce film vous met au défi de donner un sens à tout cela.
Les Mitchell contre les Machines
Katie Mitchell (doublée par Abbi Jacobson), aspirante cinéaste, entretient une relation tendue avec son père technophobe Rick (Danny McBride), qui a accidentellement détruit son ordinateur portable alors qu'elle s'apprête à commencer ses études de cinéma en Californie. Dans un effort pour sauver leur relation, Rick décide d'emmener toute la famille Mitchell en voyage à travers le pays pour voir Katie partir. Malheureusement, ce voyage coïncide avec une révolte de robots à laquelle les Mitchell n'échappent que par hasard, laissant le destin du monde entre leurs mains. Magnifiquement animé et brillamment écrit, The Mitchells vs. the Machines adopte une approche légèrement plus mature de la dynamique familiale que beaucoup de ses pairs du genre, avec Katie, en âge d'aller à l'université, à la recherche de sa propre identité tout en abordant de véritables griefs avec son père, mais il équilibre sans effort les éléments les plus sérieux avec une action exquise et une comédie vraiment drôle. Privé d'une sortie cinématographique complète par le Covid-19, il brille désormais comme l'un des meilleurs films de Netflix.
Ne lève pas les yeux
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p class= »paywall »> Vous êtes frustré par l’inaction collective du monde face aux menaces existentielles comme le changement climatique ? Ne regardez pas Don’t Look Up , la comédie noire satirique du réalisateur Adam McKay. Lorsque deux astronomes de bas niveau découvrent une comète destructrice de planètes en route vers la Terre, ils tentent d’avertir les autorités, mais se heurtent à un « bof » collectif. La situation ne fait qu’empirer lorsqu’ils tentent de divulguer eux-mêmes l’information et doivent faire face à des présentateurs télé insipides, des célébrités en quête d’une cause emblématique et un public indifférent. Réquisitoire sombre et drôle de notre époque, renforcé par un casting de stars mené par Leonardo DiCaprio et Jennifer Lawrence, Don’t Look Up est, de manière quelque peu déprimante, l’un des meilleurs portraits de l’humanité depuis Idiocracy .
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